CLEVELAND, Ohio – Le peintre paysagiste britannique JMW Turner célèbre revendiqué qu’il s’était lui-même attaché au mât d’un bateau à vapeur en mer pendant une tempête de neige hivernale en 1842 afin de pouvoir peindre les forces violentes de la nature à partir d’une expérience directe.

Les peintures de Turner représentant des nuages ​​tourbillonnants et des vagues montagneuses incarnaient la théorie de la sublime en art, d’abord articulé par l’ancien philosophe grec Longinus et relancé au XVIIIe siècle par un homme d’État et philosophe anglais Edmund Burke.

Burke était intrigué par la puissance et l’immensité terrifiantes de la nature, révélées par les mers orageuses, les paysages de montagne ou la notion d’infini, dans laquelle l’œil est incapable de «percevoir les limites» de quelque chose ou de «voir un objet distinctement».

Le sublime en tant que concept moteur dans l’histoire de l’art du paysage réapparaît dans les photographies du 21e siècle et les photos-images modifiées numériquement de Aaron Rothman, maintenant visible au Station de transformation galerie à Hingetown.

Organisé par le Musée d’art de Cleveland, l’exposition explore 15 ans de travail de l’artiste, basé à Phoenix, en Arizona, dont le sujet principal est les paysages désertiques ensoleillés du sud-ouest américain.

Plus de deux douzaines d’images sont exposées, allant de photos minimalistes de ciels bleus presque sans relief aux panoramas cristallins du désert ponctués de cactus saguaro.

Invitation à l’exploration

Les paysages vous invitent à explorer visuellement des mesas sculptées et des collines rocheuses. Ce sont les types de vues qui pourraient vous faire croire qu’une colline lointaine est si proche que vous pourriez facilement l’atteindre à pied, pour découvrir que c’est beaucoup plus loin que vous ne le pensiez et que vous souhaiteriez apporter une deuxième bouteille d’eau.

Dans un paysage désertique particulier, la fumée d’un feu lointain obscurcit l’horizon, effaçant des sommets lointains dans un voile de néant. C’est un cas classique dans lequel l’œil, comme Burke l’a observé, ne peut pas «percevoir les limites» de quelque chose ou «voir un objet distinctement».

Rothman présente également des images de scènes infiniment vastes et infiniment petites, allant des images complexes en gros plan de fleurs et de roches du désert à des photos représentant la Voie lactée à travers des piqûres lumineuses de rouge, vert et bleu.

Les paysages stellaires sont le produit du «bruit» visuel produit par les appareils photo numériques, que Rothman a exagéré pour accentuer le contraste entre le «signal» primaire d’une image et la statique étrangère produite comme sous-produit de la technologie.

Les images de la Voie lactée ont inspiré le titre de l’émission, «Signal Noise», qui souligne l’exploration par Rothman des thèmes classiques du paysage littéralement à travers une lentille du 21e siècle.

Burke et Turner auraient reconnu Rothman comme une âme sœur qui réinterprète le sublime avec une touche technologique.

Pour les peintres paysagistes du XIXe siècle, le sublime avait des significations religieuses. C’était une manière de transmettre l’insignifiance de l’humanité face à la puissance et à la majesté de Dieu. Le paysage est devenu un substitut à l’imagerie ouvertement religieuse à une époque de plus en plus séculière alors que les artistes peignaient la nature comme une sorte d’immense église en plein air.

Histoire d’une idée

Ces idées se sont transformées en abstraction au XXe siècle, dans les peintures expressionnistes abstraites de Jackson Pollock et Clyfford Still. Historien d’art Robert Rosenblum retrace cette évolution dans son livre classique de 1975 sur «La peinture moderne et la tradition romantique du Nord».

Rothman met à jour la tradition avec sa propre marque du sublime technologique du sud-ouest. Au 21e siècle, la science a acquis le pouvoir d’évoquer les types de mystères et d’immensité qui ont autrefois produit – et peuvent encore produire – un sentiment de crainte religieuse.

Les scientifiques utilisent des équipements d’imagerie pour sonder l’espace inter-galactique et retracer la forme du temps jusqu’au Big Bang, ou pour sonder des morceaux infiniment infimes de matière élémentaire.

Les portraits de Rothman de notre galaxie rappellent la capacité de l’humanité à atteindre les étoiles dans une quête pour comprendre l’histoire de l’univers. Ils soulignent également la manière dont la technologie façonne et encadre la perception humaine.

Dans ses gros plans de roches désertiques et de flore, Rothman utilise un logiciel pour séparer les ombres des côtés éclairés des objets solides, puis substitue des tons purs de couleur plate aux zones ombragées.

En conséquence, il crée des motifs infiniment complexes de lumière, de couleur et de texture qui frustrent et compliquent la capacité typique de l’œil à séparer les objets dans un champ de vision de l’arrière-plan environnant – un phénomène connu sous le nom de figure-fond.

Les explorations de Rothman produisent des images qui font écho aux formes fractales qui peuvent apparaître dans les nuages ​​ou les vagues aqueuses, ou, d’ailleurs, dans les peintures au goutte-à-goutte et versées de Pollock.

Les zones de couleur purement optiques qui remplacent les ombres dans les paysages en gros plan de Rothman contrastent de manière frappante avec les surfaces cristallines ou florales des roches et des fleurs dans les images, qui font appel au sens du toucher.

Enfin, ses plans rapprochés du désert présentent des champs minutieusement compliqués de formes imbriquées, soulignés de contours minuscules, précis et raides.

Âme sœur

Ces effets, produits par le processus technologique de Rothman, présentent une similitude étrange avec les formes et les contours des abstractions du peintre américain du début du XXe siècle Augustus Vincent Tack.

Tack peint des paysages cosmiques inspirés des nuages ​​ou des montagnes. Ses explorations virtuoses du sublime étaient un pont vers le travail des peintres Ab-Ex tels que Pollock, selon Rosenblum.

Rothman pousse la conversation plus loin, produisant des résonances surprenantes avec l’histoire de l’art. Par exemple, l’un de ses paysages désertiques ensoleillés prend la forme d’un triptyque, un trio d’images qui rappelle la Trinité chrétienne.

Pourtant, plus que tout, les couleurs cuites au soleil de Rothman et l’élimination des ombres communiquent la présence écrasante du soleil en tant que force qui nourrit la vie mais pourrait aussi la brûler à l’ère du changement climatique.

Rothman évoque clairement un sentiment de crainte qui relie son travail à ceux de ses prédécesseurs des XIXe et XXe siècles. Mais son art est également possédé par un sentiment de malaise du 21ème siècle sur l’avenir de la planète, qui ajoute une nouvelle couche à la tradition du sublime.

LA REVUE

Quoi de neuf: «Signal Noise», œuvre d’Aaron Rothman.

Lieu: Station de transformation.

Où: 1460 West 29th St., Cleveland.

Quand: Jusqu’au dimanche 23 août.

Admission: Libre. Billets réservés et chronométrés requis. Aller à transformerstation.org ou appelez le 216-938-5429.