Les techniques utilisées par les monteurs vidéo pour façonner les médias avec lesquels ils travaillent en disent long sur la façon dont les gens créent du sens dans le monde. Avec exactement les mêmes séquences brutes, deux éditeurs différents pourraient créer deux vidéos complètement différentes. Mais un bon éditeur doit toujours être en phase avec la façon dont les gens pensent et ressentent, puis utiliser ces connaissances pour créer des histoires captivantes. Et bien que le style choisi par un éditeur puisse largement refléter le type de projet sur lequel il travaille, certaines approches fonctionnent généralement bien dans n’importe quel scénario. Voici neuf excellents conseils à ajouter à votre boîte à outils de montage vidéo.

9. Faites des coupes serrées

Toute vidéo qui contient beaucoup de paroles bénéficiera d’un éditeur qui sait comment faire des coupes serrées. Couper des scènes serrées signifie supprimer des pauses inutiles, utiliser des plans de coupe opportuns pour combler les lacunes entre les dialogues, ou même perdre des lignes de dialogue tous ensemble. La plupart des projets auront également une durée d’exécution estimée qui doit être gardée à l’esprit et faire des coupes efficaces qui peuvent compresser le temps vous évitera d’avoir à revenir en arrière et à retravailler des scènes si vous trouvez que le montage dure longtemps.

8. Choisissez les meilleurs angles/prises pour raconter l’histoire

Laissez toujours le travail ou les performances de la caméra dicter les plans que vous utilisez dans votre vidéo finale. Cependant, l’importance accordée à chacun de ces aspects dépendra probablement du type de projet sur lequel vous travaillez. Pour un long métrage scénarisé ou un documentaire, la relation des personnages à l’histoire globale est primordiale. En tant que tels, les monteurs qui travaillent sur ces projets doivent parfois laisser de beaux plans ou des scènes entières sur le sol de la salle de montage simplement parce qu’ils n’ajoutent rien à l’histoire globale. D’autre part, lors de l’édition d’une interview ou d’un reportage, votre objectif est généralement d’équilibrer le message destiné aux orateurs avec les attentes du public. Lors de la sélection de séquences pour ce type de projet, il est utile de penser à ce que vous voudriez voir ou regarder tout en écoutant l’audio. L’utilisation de cette méthode pour choisir les angles de caméra et les clips aide également les intervenants à raconter leur histoire.

7. Utilisez les plans larges avec parcimonie

Au début d’une scène, il est généralement nécessaire de couper entre différents angles de caméra afin que le public soit conscient du cadre dans lequel elle se déroule. Cependant, une fois la scène contextualisée et le dialogue commencé, les plans moyens et rapprochés ont le plus d’importance pour le public. Le raisonnement derrière cette pratique est évident si l’on considère qu’il est presque toujours plus captivant de regarder les expressions faciales et les gestes d’un orateur lorsqu’il parle de près plutôt que de loin.

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6. Faites attention au langage corporel des locuteurs

Devant la caméra, les orateurs peuvent révéler beaucoup de choses à travers leur langage corporel. De plus, chacun a une intonation et un rythme uniques à sa voix. Si vous prêtez attention au langage corporel et captez les subtilités dans la façon dont une personne parle, cela peut donner un tempo naturel à votre montage que le public ressentira intuitivement. Lorsque le monteur de films acclamé, Walter Murch, coupait le film de 1974 La conversation, il a découvert que presque chaque fois qu’il choisissait de faire une coupe, le personnage de Gene Hackman clignotait presque à ce point précis. Au fil du temps, il a continué à sonder cette notion jusqu’à ce qu’il en arrive à la conclusion qu’une personne cligne des yeux chaque fois qu’elle a une toute nouvelle pensée ou émotion.

5. Éliminer les erreurs

Même si le montage des erreurs techniques et d’élocution fait partie du travail de montage, si vous pouvez apprendre à le faire avec finesse, vous serez apprécié et félicité dans le monde de la post-production. Une méthode souvent utilisée pour éliminer les erreurs consiste à couper sur l’action. Cette technique consiste à couper d’un coup à un deuxième coup sous un angle différent et une prise différente qui omet l’erreur. Couper sur l’action donne au public l’impression d’un temps continu lorsqu’il regarde le film monté, même si les plans utilisés pour la scène du montage final auraient pu être tournés à des heures, voire des jours d’intervalle.

4. Utilisez des coups de rouleau B dans des ensembles de trois

Si une scène nécessite des inserts en coupe, en utiliser trois à la suite semble juste. Si chaque clip B-roll que vous utilisez dure environ 1,5 à 2 secondes, moins de trois clips semblent trop maigres tandis que plus de trois semblent inutiles. Un exemple de cas où les coups de rouleau B sont souvent utilisés est lorsqu’un personnage entre dans une pièce et regarde autour de lui. Dans ce cas, trois inserts de point de vue pourraient être utilisés pour donner au public une bonne idée du paysage que le personnage vient de rencontrer. Cette approche semble également naturelle pour le public car elle imite la façon dont nous vivons le monde réel lorsque nous nous déplaçons dans notre environnement.

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3. Utilisez les modifications fractionnées

La série télévisée des années 50 Drague utilisé une approche très simple de l’édition. Chaque fois que des personnages conversaient à l’écran, une formule simple était mise en place qui ressemblait à ceci : couper à l’acteur A – l’acteur A livre la ligne ; coupé à l’acteur B – l’acteur B livre la ligne ; revenir à l’acteur A et ainsi de suite. Walter Murch a appelé cela le style d’édition Dragnet et il n’est généralement utilisé que par des éditeurs novices. Un style de montage plus convaincant implique l’utilisation de montages fractionnés, également appelés coupes en L ou coupes en J. Un montage fractionné se produit lorsque le changement d’image ne se produit pas en même temps que le changement est le son. Cette technique améliore souvent la valeur artistique ou le flux d’un film car elle permet au public de voir le contexte du dialogue plutôt que le dialogue lui-même. Les montages fractionnés sont également parfaits pour lisser les transitions entre les scènes.

2. Maintenir un rythme approprié

Lorsqu’ils travaillent sur des projets, les éditeurs vidéo créent un flux ou un tempo en fonction du timing de leurs coupes. Semblable à la façon dont une chanson progresse du début à la fin avec un rythme qui la fait avancer à travers les différentes sections musicales, les éditeurs doivent définir le rythme de leurs coupes pour une scène ou une section donnée afin qu’elle corresponde au ton et à l’énergie souhaités. établir. Si un montage est trop rapide, le public n’aura peut-être pas le temps d’absorber et de traiter les informations essentielles à l’histoire. A l’inverse, si un montage est trop lent, le public peut s’ennuyer très vite — un point de plus en plus pertinent pour les monteurs réalisant des vidéos web. Même si tout ce que vous montez est une simple interview, basculer entre plusieurs angles de caméra et/ou utiliser des séquences B-roll appropriées pour couvrir des sections de conversation peut rendre la vidéo beaucoup plus dynamique et intéressante que d’utiliser un seul plan verrouillé de deux personnes ayant une conversation.

1. Donnez un peu de répit à vos modifications

Après avoir passé beaucoup de temps à travailler sur le même projet, les éditeurs peuvent devenir insensibles au matériel. En faisant une pause pendant un certain temps et en revenant avec un regard neuf, vous pouvez aider à maintenir la perspective de votre public, ce qui vous aidera à vous mettre dans l’état d’esprit nécessaire pour prendre les meilleures décisions de montage.

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