Il est toujours décourageant de voir quelqu’un faire constamment de son mieux et pourtant ne pas goûter au succès bien mérité. La carrière d’Asif Ali a connu plusieurs phases de ce genre. Malgré sa croissance remarquable en tant qu’interprète, le box-office n’a pas toujours été très gentil avec lui. Après une période de vaches maigres, l’acteur profite désormais des succès consécutifs de Rorschach et son dernier, Kooman.

Extraits

Cela fait 13 ans que vous avez fait vos débuts. Avez-vous trouvé votre place dans le cinéma malayalam ?

J’ai réalisé très tôt dans ma carrière qu’il n’y avait pas de poste permanent dans cette industrie. Les gens vont et viennent, mais le cinéma continue d’avancer. Par exemple, lorsque Jagathi chettan rencontré un accident, il y avait un immense vide. La question se posait de savoir qui le remplacerait. Mais peu à peu, nous avons surmonté tout cela. J’ai donc personnellement constaté que personne n’est irremplaçable dans cette industrie. Si je commence à penser que j’ai trouvé un créneau ou un espace pour moi-même, je vais devenir complaisant et entrer dans une zone de confort. Je ne veux pas m’approcher de ça (des rires).

Il y a eu une phase où vous vous en teniez à jouer des rôles new-age similaires (Abeille, enterrement de vie de garçon, et Kili Poyi). Comment votre sélection de scripts a-t-elle évolué maintenant ?

J’ai toujours été attiré par les scripts qui m’excitent dès la première narration. À mes débuts, alors que je n’avais aucune idée du cinéma ni de la façon de choisir des projets, je me fiais uniquement à cette « excitation » et j’ai fini par faire des films que je n’aurais pas dû ou que je ne pouvais pas faire à l’époque. Je ne m’en suis rendu compte que tardivement grâce à l’expérience de travail aux côtés de nombreux acteurs et techniciens seniors. Aujourd’hui encore, j’ai besoin de cette « excitation », mais je suis également conscient des autres facteurs qui font un bon film. Pour être honnête, j’essaie en ce moment de suivre la façon dont mes contemporains sélectionnent les projets.

Vous aviez parlé plus tôt de la façon dont vous avez fait des films uniquement par amitié à cause de votre hésitation à dire «non». A-t-il changé maintenant ?

Oui, dans une certaine mesure. En ce moment, j’essaie de choisir mes projets principalement en fonction de la qualité du scénario. C’est aussi parce que, dans le cinéma malayalam, il n’est pas toujours nécessaire de travailler avec un cinéaste de renom ou une bannière établie. Si le scénario est bon et que le réalisateur est suffisamment sensé pour présenter correctement sa vision à l’écran, le public sera réceptif. Cela a été prouvé maintes et maintes fois. C’est aussi plus facile pour moi quand de jeunes cinéastes m’approchent parce que je peux exprimer ouvertement mes pensées. Mais quand des cinéastes seniors m’appellent, j’ai toujours des appréhensions. C’est une position délicate. En ce qui concerne les films pour l’amitié, je suis toujours ouvert à faire des rôles d’invités pour eux. C’est comme ça que j’ai fait Ustad Hotel, Vellimounga, Unda et même Rorschach.

Venir Rorschach, ce n’est pas souvent qu’un acteur grand public joue un rôle complet sans montrer son visage. Cela ne vous a-t-il jamais dérangé ?

Comme le réalisateur (Nisam Basheer) et le scénariste (Sameer Abdul) ont déjà travaillé avec moi, ils connaissent ma sensibilité et mon point de vue sur le cinéma. Quand ils ont lancé cette idée et m’ont dit que mon visage ne serait pas montré et que je n’aurais pas non plus de dialogues, j’étais d’accord car ils m’ont convaincu de la profondeur du personnage. J’étais également enthousiasmé par toute la nature expérimentale du film. Et puis il y a eu ce coup de pied incroyable que j’ai eu quand j’ai vu des gens me reconnaître avec juste mes yeux et mon langage corporel. C’est un honneur pour n’importe quel acteur.

En vous évaluant en tant qu’acteur, quelle est selon vous votre plus grande force ?

Je suppose que c’est mon engagement. Je n’ai aucun scrupule à faire des efforts supplémentaires. Je ne suis pas un acteur qui croit au « miracle de la première prise ». Je suis prêt pour n’importe quel nombre de reprises jusqu’à ce que le réalisateur soit satisfait parce que je suis quelqu’un qui croit qu’il faut s’abandonner complètement à la vision du réalisateur. La force mise à part, je sens aussi que mon apparence est mon facteur X. Je n’ai pas l’apparence d’un acteur conventionnel. Si vous me faites me tenir au milieu d’une foule, je peux m’intégrer parfaitement. C’est aussi pourquoi j’étais sceptique quant à l’idée de jouer des rôles de flic pendant la plus longue période. Kuttavum Shikshayum changé cette perception pour moi. Rajeev Ravi m’a convaincu que le protagoniste de son film est comme n’importe quel autre homme ordinaire qui traverse beaucoup de troubles émotionnels. J’ai creusé profondément dans ce rôle et je crois que j’ai réussi à livrer une performance raisonnablement bonne.

Votre dernière version Kooman vous fait jouer à nouveau un flic. Comment avez-vous réussi à vous démarquer de vos anciens rôles dans la police ?

Comme je l’ai déjà mentionné, je n’avais pas l’apparence conventionnelle d’un acteur, Giri Shankar de Kooman est quelqu’un qui n’a pas l’apparence ou la carrure d’un flic typique. S’il est assis dans un salon de thé, les gens ne le reconnaîtront pas comme policier. Il n’a pas de langage corporel ostensible. Alors que moi, Asif Ali, je vois ça comme un avantage, c’est différent pour Giri. Cela énerve son ego et son complexe d’infériorité parce qu’il pense qu’il n’obtient pas le respect qu’il mérite en tant que flic. Il porte avec lui beaucoup de rancunes et il utilise son pouvoir de police pour satisfaire son ego. C’est une esquisse de personnage intéressante et j’ai aimé jouer un rôle aussi complexe.

Comment était-ce de travailler avec Jeethu Joseph qui a prouvé sa maîtrise du thriller ?

J’étais très confiant dans la capacité de Jeethu Joseph à réaliser un thriller et c’est l’une des principales raisons de signer Kooman. Quand lui et Krishnakumar ont raconté le scénario, je l’ai trouvé très captivant. J’ai été intrigué par la façon dont Jeethu a traité le sujet et la mesure dans laquelle il est allé le chercher. Ce qui était encore plus fascinant, c’est la façon dont le film est devenu plus pertinent à mesure que nous nous rapprochions de sa sortie. C’est une pure coïncidence si le film traite d’une question qui est un sujet brûlant au Kerala aujourd’hui. Je ne sais toujours pas comment tout s’est réuni au bon moment pour faire d’ailleurs Kooman un film socialement pertinent.

En parcourant votre filmographie, il est difficile de trouver un motif. Avez-vous vraiment une zone de confort en tant que telle ?

J’ai toujours essayé de ne pas me confiner dans une « zone de confort ». Au cours de mes débuts en tant qu’acteur, j’étais enfermé dans la soi-disant «vague de cinéma malayalam de la nouvelle génération» ou ce qu’ils appelaient la «génération des boxeurs». A cette époque, la plupart de mes films étaient réservés au jeune public. J’ai alors consciemment essayé différents genres et heureusement, le cinéma « feel good » m’a familiarisé avec le public familial. Ensuite, j’ai essayé de m’en libérer également en faisant Uyaré juste après le succès de Dimanche férié. Beaucoup m’ont conseillé de ne pas faire de rôle grisé à ce moment-là, mais j’ai voulu l’essayer et cela a payé.

Il y a eu des cas où l’on parle de vos performances même lorsque les films n’ont pas la portée méritée. Est-il difficile de digérer de tels échecs ?

Si vous me demandez, faire un film, c’est comme donner naissance à un enfant. Cela demande des mois de patience et de travail acharné. Vous prenez un projet avec soin et y travaillez sincèrement, mais jusqu’au jour de la sortie, vous n’êtes pas assuré d’un résultat positif. Peu importe la qualité du résultat final, vous devez attendre que la magie opère. Dans mon cas, il y a eu plusieurs occasions où mes films, malgré de bonnes discussions, ont échoué au box-office. C’est arrivé si souvent que les gens ont commencé à m’appeler « superstar du torrent ». Mes films qui ne marchaient pas bien dans les salles ont été appréciés une fois sortis sur DVD/OTT. C’était frustrant, mais j’ai dû m’y mettre. J’aborde tous mes films avec la plus grande sincérité. Parfois, je peux sentir qu’un film ne tourne pas bien pendant son tournage, mais même alors, j’essaie de faire de mon mieux pour le sauver. Donc, tout cela fait de l’échec une pilule difficile à avaler.

Selon vous, comment la pandémie a-t-elle eu un impact sur la sensibilité du public cinéphile ?

Je vois un changement radical dans la façon dont les gens consomment le contenu aujourd’hui. Il est arrivé à un point où les gens décident de regarder un film d’un théâtre ou d’OTT dès son premier regard lui-même. Ce changement de sensibilité du public a influencé la façon dont je sélectionne les projets. En ce moment, j’essaie de faire des films qui offrent une véritable expérience théâtrale. J’ai envie de faire un film qui soit un package commercial complet, que le public appréciera dans les salles. Technologie B était un de ces films pour moi. Je retrouve maintenant son directeur Mridul Nair pour Kasargold. Nous y travaillons actuellement dans l’espoir de répéter cette magie.