Coucou

Cour royale, Londres

Trois femmes sont assises autour d’une table de cuisine, perdues dans leurs pensées. Il pourrait s’agir des Trois Sœurs de Tchekhov. Sauf qu’ils sont dans le Merseyside. Et ils ne se regardent pas les uns les autres, mais leurs téléphones portables.

La nouvelle pièce de Michael Wynne, Coucou, évoque malicieusement le passé des portraitistes domestiques – comme Ibsen et Tchekhov – et, plus ouvertement, les drames de l’évier de cuisine pour lesquels la Cour royale est devenue célèbre. Le cadre, une modeste cuisine Birkenhead, semble rassurant, familier et solide (design de Peter McKintosh). Mais l’un des points de Wynne est que ces 2023 personnages – trois générations d’une même famille – n’habitent qu’à moitié cet espace naturaliste; une grande partie de leur vie se déroule en ligne via leurs téléphones omniprésents.

La mère veuve Doreen (Sue Jenkins) embrasse de nouvelles libertés en ligne, vend des biens non désirés sur eBay et rencontre un nouvel homme – une liaison qu’elle essaie de garder secrète de ses deux filles adultes. Sarah (Jodie McNee), une enseignante d’école primaire joviale et confiante, semble également avoir trouvé l’amour via un site de rencontres. Carmel (Michelle Butterly) est aux prises avec un contrat zéro heure et reçoit des textos stressants à propos des quarts de travail. Et Megyn, la fille de Carmel (Emma Harrison), est tellement submergée par tout qu’elle se réfugie dans la chambre de sa grand-mère, ne communiquant que par SMS et émojis.

Wynne retrace avec douceur une période cruciale dans la vie des femmes où chacune d’elles est obligée d’avancer d’une manière ou d’une autre. Pendant ce temps, il glisse de multiples exemples du rôle omniprésent de la technologie dans notre monde hyperconnecté : la conversation est interrompue par des alertes d’actualité, des mèmes et des messages. Le dialogue est chaleureux et drôlement drôle, livré avec une riche authenticité par l’excellent casting de Liverpudlian.

Pourtant, un sentiment de malaise plane sur la pièce et sur la production de Vicky Featherstone. C’est en partie l’inquiétude lancinante concernant l’adolescente enfermée dans la chambre de sa grand-mère. Mais c’est aussi lié à quelque chose de moins tangible : l’expérience des personnages des certitudes perdues, de la précarité, de l’impuissance face à la menace globale et à la précarité de l’emploi.

Le mélange de comédie et d’anxiété ne fonctionne pas tout à fait: il y a des périodes où la pièce se sent calmée, certains des points de Wynne sont martelés et la fin semble un anticlimax. Mais il met en évidence un sentiment d’incertitude très contemporain: l’équivalent de 2023 de la grande phrase de Willy Loman, « Je me sens toujours – un peu temporaire sur moi-même. » Et il campe avec beaucoup d’affection ces quatre femmes assiégées.

★★★☆☆

Au 19 août, royalcourttheatre.compuis Liverpool Everyman du 6 au 23 septembre, Everymanplayhouse.com

Sous la place de Beneatha

Jeune Vic, Londres

En 1959, Lorraine Hansberry écrit un drame domestique qui deviendra une œuvre phare. Un raisin sec au soleil a détaillé les luttes d’une famille noire de South Side Chicago alors qu’ils tentaient de négocier un système et une société empilés contre eux.

La pièce de Kwame Kwei-Armah, mise en scène pour la première fois en 2013 à Baltimore et qui reçoit maintenant sa première au Royaume-Uni, reprend l’histoire là où Hansberry s’était arrêtée. Sous la place de Beneatha s’ouvre alors que Beneatha (un personnage de l’original) arrive au Nigeria, après avoir quitté l’Amérique pour refaire sa vie avec son mari, l’activiste politique Joseph Asagai.

Elle se heurte bientôt à l’héritage insidieux du colonialisme. Les locataires missionnaires blancs sortants de sa nouvelle maison donnent des « conseils » condescendants sur la façon d’allumer les lumières ; pendant ce temps, Asagai (Zackary Momoh) est instantanément impliqué dans les négociations tumultueuses pour l’indépendance.

Flash forward au deuxième acte, situé dans le présent. Beneatha est entre-temps retourné aux États-Unis et est devenu un doyen respecté d’une université de l’Ivy League. Confrontée à un changement de programme proposé – rétrogradant sa majeure pionnière en études afro-américaines en faveur d’une sur la blancheur critique – elle ramène des collègues du corps professoral dans sa maison nigériane pour discuter de la question.

Comme Hansberry, Kwei-Armah maintient l’action dans un cadre domestique, soulevant des questions sur la maison, l’appartenance et le pouvoir. Au deuxième acte, la maison même où Beneatha a vécu les réalités traumatisantes de l’histoire devient le lieu d’un débat intellectuel épineux sur cette histoire et l’avenir de la théorie critique de la race. L’université colonise-t-elle l’étude de la colonisation ? Qui décide ? Qui encadre le débat ? Ce n’est pas seulement l’héritage durable du racisme qui est à l’honneur ici, mais la lentille à travers laquelle cet héritage est examiné. Beneatha cite Orwell : « Ceux qui possèdent l’histoire possèdent le présent ; ceux qui possèdent le présent, possèdent le passé.

C’est une idée intelligente d’utiliser la forme dramatique pour exprimer le passage de l’expérience vécue à l’examen contesté de cette expérience : le drame narratif bourré d’incidents cède la place à une argumentation à haut indice d’octane. Il a cependant des inconvénients. Dans le premier acte, le contexte et les enjeux sont emballés trop vite et de lourds développements émotionnels sont laissés en suspens. Le deuxième acte est bourré d’arguments tranchants mais moins riche en action.

Mais il est porté dans la production de Kwei-Armah par de formidables performances. Cherrelle Skeete est superbe dans le rôle de Beneatha, une femme qui a appris par une expérience amère à jouer au long jeu, tandis que Sebastian Armesto est drôlement drôle en tant que collègue universitaire «whitesplaining». Et parcourant tout cela se trouvent les questions proposées par Hansberry, par le poème de Langston Hughes qui a donné son titre à sa pièce, et par le titre de la réponse de Kwei-Armah. Qu’arrive-t-il à un rêve différé? Où en sommes-nous vraiment dans la lutte contre le racisme endémique ? Où et quelle est la place de Beneatha ?

★★★☆☆

Au 5 août, youngvic.org

Une playlist pour la révolution

Théâtre Bush, Londres

D’énormes thèmes politiques défilent Une playlist pour la révolution aussi, une autre nouvelle pièce avec une concentration personnelle étroite et une large portée. Dans la comédie romantique politique intelligente et espiègle d’AJ Yi, deux étudiants se croisent lors d’une fête à Hong Kong. Elle est en visite du Royaume-Uni ; c’est un résident. Elle est drôle, à la mode, impulsive ; il est posé, réservé, conventionnel. Naturellement, ils tombent instantanément amoureux l’un de l’autre. À son retour en Angleterre, les deux restent en contact, forgeant une playlist Spotify entre eux.

Jusqu’ici, tout va bien. Mais leur relation naissante se déroule dans le contexte des manifestations de 2019 à Hong Kong et, à mesure que celles-ci s’intensifient, cette liste de lecture devient plus chargée. Chloé (Mei Mei Macleod) télécharge des chansons de protestation et de la musique de résistance, déterminée à faire sa part pour soutenir les manifestations auxquelles elle pense que Jonathan (Liam Lau-Fernandez) assiste. Mais lui, craignant l’impact sur sa famille, ne participe pas – au grand désarroi de M. Chu (Zak Shukor), un concierge âgé de son collège, qui marche malgré les risques.

Finalement, les choses arrivent à un point critique, incitant les deux jeunes à s’interroger plus profondément sur le rôle qu’ils peuvent jouer. Ces évolutions parcellaires sont assez schématiques. Mais la pièce a un zeste et un esprit formidables, aborde avec agilité des questions urgentes et pose habilement des questions importantes sur la protestation, la démocratie et l’action individuelle.

La production enjouée d’Emily Ling Williams vibre de musique – avec des chansons de protestation, de révolution et de résistance. Lau-Fernandez et Macleod sont instantanément relatables et immensément sympathiques, établissant une relation chaleureuse avec le public, tandis que Shukor fournit un contrepoids ironique et sec.

Trois pièces, chacune abordant à sa manière ce que signifie être un individu pris dans le changement global, ce que signifie l’action personnelle et ce que cela coûte.

★★★★☆

Au 5 août, bushtheatre.co.uk