Depuis son lancement en 2017, Samsung Art Store a été à l’avant-garde des changements significatifs dans la façon dont nous vivons et apprécions l’art. Avec de vastes collections d’œuvres d’art, The Frame et Art Store offrent différentes façons aux consommateurs de profiter de diverses formes d’œuvres d’art dans le confort de leur foyer.

L’art de la rue – qui intègre souvent des éléments de son environnement et de sa nature – a trouvé sa place dans les médias numériques, car la technologie d’affichage et la qualité de l’image ont rapidement évolué ces dernières années. Grâce à des partenariats avec des artistes comme Logan Hicks, Samsung Art Store a comblé le fossé entre l’art public et les consommateurs de tous les jours, en rapprochant plus que jamais les détails, les expressions et les impressions complexes des utilisateurs.

Samsung Newsroom a eu le privilège de se connecter avec Logan pour discuter de son processus créatif et de son inspiration et comment son partenariat avec Samsung Art Store a aidé à repousser les limites de son métier.

Logan Hicks est un artiste très acclamé basé à New York, réputé pour ses paysages urbains photoréalistes complexes. En utilisant plusieurs couches de pochoirs, il mélange parfaitement l’esthétique urbaine avec une précision et des détails extrêmes.

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Inspiration et influences : de Baltimore à la Californie et au-delà

Q : Pourriez-vous nous parler un peu de vous et de votre carrière d’artiste ? Comment en êtes-vous venu à travailler avec des pochoirs ?

Après avoir dirigé avec succès une entreprise de sérigraphie commerciale, j’ai décidé de me concentrer sur mon art et j’ai déménagé de Baltimore en Californie. J’ai essayé le pochoir coupé à la main et je suis tombé amoureux. Le processus est similaire, mais les pochoirs sont laborieux et pas exacts. J’ai relevé ce défi et j’ai appris à créer des détails profonds avec plusieurs couches.

▲ Logan Hicks

Q : Quelle est votre passion qui inspire votre art ?

Le voyage est à la fois mon inspiration et mon antidépresseur. Voir de nouveaux pays, personnes, lieux et cultures m’a toujours aidé à garder les yeux ouverts sur la beauté du monde. Après un voyage, j’ai toujours hâte de retourner en studio.

Je trouve aussi beaucoup d’inspiration à New York. La façon dont la ville change tout au long de la journée et de l’année — elle a sa propre vie. Pendant la pandémie, il était particulièrement intéressant de voir une ville dynamique se vider. C’était étrangement beau.

Q : Pourriez-vous nous expliquer votre processus artistique, des photographies avec lesquelles vous commencez jusqu’au produit final ?

Je n’entre généralement pas dans les détails de mon processus simplement parce qu’il est facile de confondre le processus avec le produit. Environ 75% de mon temps à faire de l’art est le processus laborieux de préparation d’image, de découpe de pochoirs, de pontage des pochoirs, etc. Pour expliquer brièvement, je prends des photos, les décompose en différents niveaux de contraste, les découpe, les pulvérise sur le dessus l’un de l’autre, puis peignez soigneusement les lumières. Mes pochoirs ne sont pas du genre que vous pouvez simplement passer sur une couche de peinture solide – je fais lentement ressortir l’image avec de petites pulvérisations de peinture que j’accumule.

Q : Quelle est votre étape préférée dans votre démarche artistique ?

Mon étape préférée est de créer et de choisir une ambiance pour mes œuvres. Ma scène sera-t-elle exigeante ou picturale ? Représentera-t-il la solitude du soir ou la vivacité d’une journée lumineuse ? Un ensemble de pochoirs peut être peint de plusieurs façons, et j’aime déterminer lequel est le meilleur.

Q : Sur quels partenariats avez-vous travaillé au fil des ans et qui vous ont marqué ?

Je trouve que les partenariats les plus réussis sont ceux qui ont le moins de sens, du moins pour moi. Trouver une entreprise qui accorde la liberté de faire ce que je veux est primordial pour une collaboration réussie. Quelques-uns qui me viennent à l’esprit sont lesMur de BoweryJ’ai peint pour la famille Goldman à New York et un partenariat avec Porsche pour leur voiture électrique à Scope Art Fair.

Logan Hicks X Samsung Art Store

Q : Pourquoi avez-vous choisi de vous associer à l’Art Store ?

Un artiste n’a que deux raisons de continuer : faire de l’art et présenter l’art à un public. Pour moi, Samsung Art Store était un débouché pour présenter mon art – c’était une nouvelle approche pour exposer mon art, et pour cette raison, je l’ai trouvé intéressant. Les espaces de vie de nos jours continuent de devenir de plus en plus petits, j’ai donc vu cela comme un moyen de partager plusieurs œuvres d’art au lieu de les accrocher sur des murs limités.

Q : Comment l’affichage de votre travail sur The Frame se compare-t-il aux autres médias avec lesquels vous avez travaillé (par exemple, toile, murs en brique/béton, panneaux d’affichage) ?

Un bon art doit pouvoir se traduire sur différents supports : toile, murs ou numérique. The Frame était une plate-forme intéressante simplement parce que vous n’avez pas le contrôle sur l’endroit où il sera accroché ou sur quel foyer téléchargera quelle œuvre d’art – c’était amusant de découvrir laquelle de mes pièces avait l’attrait le plus universel. Lorsque vous réalisez des travaux pour un lieu précis (comme avec une murale), vous devez tenir compte du voisinage, de l’éclairage, de la surface du mur, etc. Le succès d’une murale repose sur votre capacité à vous adapter à l’environnement. Avec The Frame, cependant, il s’agissait de retirer ces œuvres du mur et de les placer dans un espace numérique – l’attention était à 100% sur l’œuvre d’art créée plutôt que sur l’environnement dans lequel elle vit.

Q : Comment votre technique de mélange de couleurs par aérosol contribue-t-elle à l’attrait visuel de votre travail lorsqu’il est affiché numériquement ?

J’espère que le public pourra apprécier mon travail à plusieurs niveaux. Par exemple, vous n’observez le sujet qu’à distance avant de commencer à remarquer les détails à mesure que vous vous rapprochez. Une fois que vous en êtes à quelques centimètres, l’exécution devient claire – de la façon dont les couleurs se mélangent aux minuscules points de peinture en aérosol qui composent la surface de l’image.

Mon travail a des nuances difficiles à voir sur les écrans numériques traditionnels. J’ai été satisfait de la façon dont l’écran mat de The Frame capte les détails de la peinture en aérosol et les changements de couleur subtils. L’affichage offre la possibilité de découvrir l’œuvre à différentes distances comme si elle existait sur un mur ou une toile.

Q : Vous avez déjà de l’expérience dans la création de peintures murales à grande échelle dans le monde entier dans des endroits comme Istanbul, Miami, Baltimore, New York, la Tunisie, Paris, etc. Comment le partenariat Art Store étend-il la portée mondiale et l’accessibilité de votre travail à des publics au-delà de cela ? ?

J’oublie facilement que 99,9% du monde n’aura pas l’opportunité de voir mon travail en personne. Lorsque je peins une murale, c’est généralement dans les grandes régions métropolitaines et dans les villes où j’ai déjà une sorte de connexion. Donc, j’aime étendre ma portée aux personnes qui ne vivent peut-être pas dans les endroits où je peins. Avec cette approche, quelqu’un dans l’outback rural de l’Australie a accès à mes pièces tout comme quelqu’un au cœur de Manhattan.

Q : Quels sont vos trois premiers choix que vous recommanderiez aux consommateurs d’afficher sur The Frame ? Veuillez nous donner une très brève explication de chacun.

▲ L’entrée, 2019

Ce tableau représente la façade de la maison de Monet. J’ai visité le jardin de Monet pour la première fois et j’ai immédiatement eu l’impression d’être dans un pays différent – les fleurs m’entouraient comme un brouillard vert et l’odeur des fleurs emplissait l’air. Debout devant la maison de Monet, j’ai imaginé ce que ça aurait été d’y vivre. Je pense à la façon dont c’était ce que Monet voyait chaque matin alors qu’il se promenait dans le jardin et retournait chez lui.

▲ Giverny, 2019

Cette pièce est également du jardin de Monet. Ce que j’ai le plus aimé dans le jardin, c’est qu’il est très rare que vous puissiez vous tenir au même endroit où un chef-d’œuvre a été créé. J’ai grandi en voyant les peintures de Monet dans mes livres d’histoire de l’art, à la télévision et au cinéma. Mais quand j’ai visité le jardin, j’ai réalisé que j’étais dans le tableau. Je me tenais là où Monet se tenait autrefois alors qu’il peignait, et soudain, son œuvre a pris plus de sens pour moi. Bien sûr, il a peint son jardin ! Comment pouvez-vous visiter le paradis et ne pas le commémorer dans un tableau ?

▲ Axone, 2018

J’ai un faible pour Paris : la culture, la gastronomie, l’art et l’architecture. J’aime tout. Ce tableau est une scène que vous voyez lorsque vous marchez à l’extérieur de la Gare De Lyon. Je me souviens quand j’ai pris la photo que j’ai utilisée comme source d’inspiration pour cette pièce. Mon ami m’a demandé : « Pourquoi prendriez-vous une photo de la rue ? C’est moche. C’est la gare qui est belle. Ce qui est merveilleux dans le fait d’être un touriste, c’est que tout est nouveau et frais. Pour moi, la rue était aussi belle que la gare. C’est le pouvoir d’une bonne peinture – elle peut enchanter les scènes les plus ennuyeuses.

L’intersection de la technologie et de la créativité

Q : En tant qu’artiste connu pour vos techniques artistiques traditionnelles, comment naviguez-vous à l’intersection entre les formes d’art traditionnelles et le monde numérique ?

L’art est un langage, et apprendre à le parler dans différents domaines est essentiel au succès d’un artiste. Je ne réfléchis pas trop à ce qui est traditionnel et à ce qui ne l’est pas. J’essaie juste de considérer à quoi ressemblera le travail réduit à la taille de The Frame. J’essaie de penser à quelles pièces ont suffisamment de complexité pour rester à l’écran dans l’espace de quelqu’un pendant une période prolongée.

Q : Quelles opportunités uniques la plate-forme d’art numérique offre-t-elle aux artistes comme vous ?

La principale opportunité que je vois pour l’espace numérique est l’accès à un nouveau public. Quelqu’un peut ne pas dépenser des milliers d’euros pour ma peinture, mais il peut en Télécharger une image. J’aimerais penser que parfois cela peut même se traduire par quelqu’un qui sort et achète une copie physique d’une peinture.

C’est aussi un excellent moyen d’atteindre un public qui ne fréquente pas traditionnellement les galeries. L’art a plus de succès lorsque les gens peuvent s’y retrouver un peu, qu’il s’agisse d’un sentiment, d’une expérience, d’une pensée ou d’une humeur. Cela ne se limite pas à un visiteur de musée d’art. Trouver des gens et se connecter avec eux à travers l’art est quelque chose qui peut être fait à une échelle beaucoup plus grande grâce à une plateforme numérique.

J’aime l’opportunité d’atteindre de nouveaux publics qui n’ont peut-être pas apprécié l’art auparavant. Le monde de l’art peut parfois être gardé ; The Frame donne aux nouveaux fans l’occasion d’envisager de vivre avec l’art.

Visitez le Samsung Art Store àLe cadrepour explorer davantage la collection de Logan Hicks.