Les créateurs de costumes peignent des rames de tissu, parcourent les étagères des friperies et fouillent dans les poubelles des marchés aux puces à la recherche des textures, des styles et des fioritures qui conviennent pour donner vie aux personnages. Pour certaines productions, cette œuvre peut être contemporaine et avec une distribution restreinte. Pour d’autres, cela peut signifier des centaines de costumes d’époque, des milliers de pièces et des années de préparation.

À Variété inaugural « A Night With Artisans », le rédacteur en chef des artisans Jazz Tangcay a animé un panel de créateurs de costumes d’un large éventail de séries télévisées, rappelant au public la lutte continue de la guilde pour équité salariale« ces émissions seraient nues sans toi. »

De nombreuses émissions de cette saison étaient en production pendant la pandémie, avec des protocoles et des restrictions COVID stricts. Camille Benda, costumière pour la série apple TV+ »Mauvaises soeurs”, a apprécié de travailler avec ses cinq femmes de premier plan dans un bureau unique en dehors du plateau. « La cabine d’essayage était en fait dans un conteneur d’expédition, mais cela ressemblait à une petite bulle de vaisseau spatial dans laquelle nous pouvions aller et parler et passer quelques heures à vraiment parcourir les personnages. » Ces conversations leur ont donné l’occasion de vraiment creuser dans l’individualité de chaque personnage.

Travaillant principalement dans les années 1970 à Los Angeles, costumière Denis Wingate a apprécié les incroyables maisons de costumes alors qu’elle composait les looks pour « Daisy Jones & the Six » d’Amazon. Elle s’est heurtée à un défi quand il s’est avéré qu’il y avait trois autres émissions énormes qui se déroulaient dans les années 70 également en production: « Alors nous nous battons pour des choses. »

Mais cela ne l’a pas arrêtée. « Tous les week-ends, tous les samedis, tous les dimanches, pendant un an d’affilée, je suis allé à tous les marchés aux puces. »

Wingate a également trouvé de nombreuses ressources en ligne, qui ont contribué à plus de 1 500 costumes allant des années 1960 aux années 90 et à des tournages de la Nouvelle-Orléans à la Grèce. Elle en vint à apprendre qu’une ressource encore plus précieuse que l’argent était le temps. « Avoir le temps d’organiser un look et de le rendre parfait et d’avoir du temps avec les acteurs pour vraiment explorer les personnages… C’était un vrai cadeau. »

Laura Jean Shannon, créatrice du supersuit de la série de super-héros d’Amazon « Les garçons,” a constaté que les contraintes budgétaires ajoutaient une pression supplémentaire, mais a félicité son équipe. « Je suis aussi bon que la compagnie que je garde. Il est impératif que vous gardiez, vous savez, un environnement sain pour votre équipe. Il y a six ans, lorsqu’ils ont conçu des costumes de super-héros sur une «chronologie et un budget télévisés», elle a trouvé le défi «un peu scandaleux». Mais au final, cela lui a donné l’opportunité d’innover et de trouver des moyens de créer des costumes entièrement personnalisés. « Nous avons retravaillé le fonctionnement des choses !

Les créateurs de costumes, en particulier ceux qui travaillent à la télévision, doivent être capables d’anticiper les nouveaux défis qui pourraient survenir pendant que les épisodes sont encore en cours d’écriture. Lyn Paolo, costumière pour la série Netflix »Reine Charlotte : une histoire de Bridgerton, » a commencé à demander très tôt s’il y aurait une scène de couronnement pour le nouveau roi et la reine d’Angleterre. Sans attendre de confirmation, Paolo a fait des recherches et a commencé à passer des commandes.

Paolo se souvient : « Le directeur de production m’appelait sans cesse pour me dire : ‘Pourquoi achètes-tu tout ce tissu à Paris ?’ Je me disais, je pense qu’on va avoir besoin de tout ce tissu doré. S’il te plaît crois moi. » Quand ils ont eu le mot officiel, elle a décidé de « viser l’or ». Littéralement. « Si vous regardez les portraits originaux de George et Charlotte, ils sont couverts d’or. »

Montgomery s’est également beaucoup amusé avec des détails dans « Ce que nous faisons dans l’ombre,” en particulier lorsqu’il s’agissait de concevoir pour le vampire Nadja (Natasia Demetriou). Dans l’ouverture de la saison 4, Nadja revient à Staten Island après une saison au Royaume-Uni, alors Montgomery « vient de voler des designers britanniques que j’aime ». A savoir, la collection tartan de Vivienne Westwood et Alexander McQueen.

Une robe que Nadja porte plus tard dans la saison impliquait une soie noire et rouge avec une bande jaune. Mais le tissu qu’ils ont trouvé n’avait pas la bande jaune. « Ma merveilleuse équipe, je les ai convaincus que nous devions coudre un ruban jaune sur tous ces 30 mètres de tissu. Et bénissez-les, ils l’ont fait.

Sur la série HBO « Le dernier d’entre nous« , basé sur le jeu vidéo à succès, le monde s’est arrêté en 2003 lorsqu’une pandémie a anéanti la majeure partie de la civilisation. En tant que costumière, Cynthia Summers a dû réfléchir à ce que cela signifierait pour les personnages vivant 20 ans plus tard. « Le monde s’est arrêté en 2003. Et plus précisément, nous avons commencé notre histoire à Austin, au Texas. C’est donc là que nous avons commencé et c’est là que tout s’est terminé.

Quant aux vêtements que les personnages porteraient dans ce monde, ils devaient considérer: «Tout ce qui a suivi était du marché noir, c’était en 2003 ou avant. C’était aussi ce qui durerait pendant une pandémie – ce qui durerait sur le corps d’une personne, voyager à travers l’Amérique du Nord et devoir traverser toutes ces choses horribles, vivre dans la nature.

Ils devaient rester fidèles au jeu pour que les fans soient heureux, et ils devaient réfléchir à la façon dont les vêtements se décomposeraient sur plusieurs épisodes. L’équipe a donc rassemblé des collections de 30 versions de chaque costume pour chaque personnage, des pistes aux arrière-plans.

Le mouvement était une partie importante de la conception de Peacock’s « Grease: Rise of the Pink Ladies« , car Samantha Hawkins avait besoin de créer des costumes dans lesquels les acteurs pourraient danser. « C’est beaucoup de mettre des goussets aux bons endroits quand vous avez la malchance d’avoir le temps de faire des constructions », a-t-elle expliqué.

Elle a également rappelé le défi spécifique de l’épisode 9, qui impliquait des costumes de poupées en papier. « Vous voulez qu’ils aient l’air à plat et ne bougent pas, mais ensuite les chorégraphes entrent en levant les bras toutes les 10 secondes. C’est beaucoup d’ajustement, de découverte et de ce que vous pouvez faire pour créer un look qui a encore du mouvement », a-t-elle déclaré. « Et puis vous savez, nous n’avons pas eu le temps de créer des looks pour chaque danseur à l’écran. Donc nous avons utilisé beaucoup de vintage, et un peu de contemporain, mais le vintage, nous avons renforcé les coutures au préalable… L’équipe de construction a été juste fabuleuse pour tout faire.

Marina Tobina (« La Belle et la Bête : une 30e célébration“) a exprimé l’importance de la confiance et de la construction d’une équipe qui peut bien compléter les autres. En concevant les costumes d’une histoire classique bien-aimée, elle savait qu’elle faisait face à un défi particulier et à de nombreuses attentes. « Je dois vraiment avoir cette conviction de me renforcer en tant que designer, créateur et leader, pour ensuite guider mon équipe », a-t-elle déclaré. « Cela vient en grande partie avec un besoin d’avoir confiance en soi. »

Toybina a ajouté: «En tant que designer, vous devez connaître votre rôle, vous devez connaître vos faiblesses, car vous devez ensuite compenser cela dans votre équipe. Et assurez-vous d’être entouré des personnes qui peuvent vous aider à exécuter. Et pour être honnête, en fin de compte, je ne peux pas tout livrer sans tuer mon équipe. » Elle a souligné un point essentiel : « C’est une conversation que nous devons tous avoir. Environnements toxiques, travail toxique et créativité, vous ne pouvez tirer le meilleur de nous tous que si nous sommes dans le bon espace, et j’ai toute mon équipe dans le bon espace mental pour créer l’endroit le plus magique possible.