« Difference Machines : technologie et identité dans l’art contemporain », une exposition à forte composante technologique qui présente 17 artistes internationaux et 20 œuvres d’art, invite les visiteurs de l’exposition à examiner une tranche de l’histoire récente de la technologie, marquée par l’enthousiasme, les problèmes et les réflexions critiques. Les travaux confirment ce que nous savons déjà : la technologie ne résout pas les problèmes humains ; au lieu de cela, il les expose brutalement, augmentant les inégalités au nom deefficacité. « Machines à différence » met en lumière le rôle des êtres humains, ainsi que notre méchanceté, nos préjugés, notre construction artificielle – et politisation – de ce que nous appelons « identités », et l’impact de notre participation involontaire ou passive à ce processus.
« Machines à différence : technologie et identité dans l’art contemporain » Jusqu’au 16/12 : vendredi de midi à 19 h, samedi de 10 h à 17 h, Wrightwood 659, 659 W. Wrightwood, wrightwood659.orgentrée 15$
Les artistes explorent divers aspects de ces sujets en relation avec le corps humain. Joiri Minaya et Skawennati reflètent respectivement les représentations numériques du corps féminin et de la féminité dans #recherchegooglefemmesdominicaines (2016), une installation d’impressions suspendues de parties du corps, et Elle tombe pendant des siècles (2017), un machinima créé dans le monde virtuel Second Life mettant en vedette une protagoniste autochtone. La façon dont la technologie associée au capitalisme prive les Noirs de leurs droits et les rend invisibles est également au centre de plusieurs œuvres exposées. Sondra Perry utilise la couleur bleue chroma-key pour expliquer comment la technologie d’écran vert efface intrinsèquement les Noirs ou les met en arrière-plan. La pièce conceptuelle bien exposée Noirceur à vendre (2001) du duo d’artistes rock star Mendi + Keith Obadike est, littéralement, ce que le titre implique : une page Web archivée qui documente la vente de leur Blackness sur eBay en 2001 avec une description ironiquement véridique des « avantages » et des « avertissements ». »ce paquet est livré avec.
Les œuvres d’art à caractère activiste remettent non seulement en question les normes de notre perception, mais se prêtent également à un impact plausible sur le monde réel. Spéculation matérielle : ISIS (2015-16) de l’artiste irano-kurde Morehshin Allahyari sont des sculptures en plastique imprimées en 3D, modelées sur d’anciens artefacts mésopotamiens détruits par l’Etat islamique en 2015. Bien que chacune soit livrée avec un dispositif de stockage de données intégré contenant les fichiers sources de la sculpture et d’autres documents d’archives, l’appareil est scellé à l’intérieur de la sculpture et suspendu fantomatiquement dans du plastique translucide. Allahyari est co-auteur du Manifeste additiviste 3D, qui appelle à « accélérer l’imprimante 3D et les autres technologies créatives jusqu’à leurs limites absolues et au-delà dans le domaine de la spéculation ». Un autre article militant conteste le prix élevé de l’hormonothérapie pour les femmes trans. Rian Ciela Hammond, une bioartiste « transféministe » autoproclamée, a une pratique de recherche ancrée dans le piratage de la production de l’hormone œstrogène. L’installation de Sélecteur de racines (2021) présente un bioréacteur complexe et attrayant, qui transforme progressivement l’extrait d’igname sauvage en hormones stéroïdes tout au long de l’exposition. Parallèlement, les efforts de Hammond incluent également l’organisation d’ateliers publics pour partager leur méthode afin de défier le monopole pharmaceutique.
Ce qui m’excite le plus, c’est que cette exposition présente une collection d’œuvres – s’étalant sur une vingtaine d’années, de la spéculation à la réaction – qui abordent les questions de surveillance et sa discrimination biaisée à l’égard des personnes de couleur. Ces travaux sont des indicateurs grâce auxquels nous mesurons dans quelle mesure nous avons surmonté les problèmes – apparemment très peu. La légèreté pleine d’espoir et l’humour ironique que dégagent certaines œuvres d’art ne peuvent parfois pas surpasser la tristesse qui les cache. Installation de l’artiste Hasan Elahi, né au Bangladesh Mille petits frères (2014), par exemple, incarne une critique astucieuse du protocole de surveillance racialisée des États-Unis par le biais d’une agression passive fantaisiste. Il a lancé « Tracking Transience », un projet en cours depuis 2002 – également le projet principal de l’installation que nous voyons – après avoir été pris pour un terroriste au milieu de la paranoïa de l’après-11 septembre. La façon dont l’artiste s’est rebellé contre une enquête du FBI et sa demande de suivi est due au fait qu’il n’est qu’un petit TMI – à cause de l’urinoir qu’il a utilisé et de la nourriture qu’il a mangée ; près de 32 000 images quadrillées sur le mur ne représentaient qu’une partie des images qu’il a publiées en ligne pour « aider » le FBI à surveiller où il se trouvait. Dans une interview, l’artiste s’amuse de voir à quel point son art est devenu « désuet ». Il y a 20 ans, un abus intentionnel et bien orchestré de la technologie est désormais une activité banale (bien qu’encore étrange) que tout le monde peut se permettre. (Sans parler de l’installation elle-même, qui s’étend du sol au plafond, constitue une toile de fond idéale pour les selfies Instagram.)
Ce type de surveillance racialisée qu’Elahi a vécu rime avec ce que l’artiste britannique Keith Piper avait prédit dans sa vidéo de 1992. Surveillance : marquer l’autre. Utilisant l’esthétique de l’analyse vidéo en temps réel, chacune des quatre vidéos montre la tête de l’artiste en rotation lente tandis qu’une boîte englobante (ou dans une vidéo, une cible) est fixée sur le visage, mesurant son appartenance ethnique et son altérité. En haut, une sorte de téléscripteur défilant déroule des slogans qui reflètent les discussions qui se déroulaient à l’époque autour de ce qui constituait un nouveau sujet européen. Près de 30 ans après la réalisation de cette vidéo, nous luttons contre l’utilisation L’IA à caractère raciste comme outil de prévision de la criminalité par la police.
Des œuvres plus contemporaines recherchent des solutions anti-surveillance créatives, bien que plus conceptuelles que pratiques. Celui de Zach Blas Suite d’armement facial (2012-14) produit des masques qui ressemblent à du papier d’aluminium froissé avec dix couches de vernis en porcelaine. En opposant l’algorithme à lui-même, Blas s’est penché sur la technologie de reconnaissance faciale, son histoire, ses applications et ses défauts, et a développé une méthode permettant de combiner plusieurs visages (ceux d’hommes, de femmes, de Noirs ou de Latinx) ensemble pour ensuite alimenter cet algorithme. visage collectif à travers des étapes de mutation jusqu’à ce qu’il devienne méconnaissable par la technologie. Ce masque formé sous vide en polyester recyclé permet à celui qui le porte de posséder un « visage » auquel il s’identifie sans risquer d’être profilé à tort par un système profondément biaisé. Même si je ne pense pas pouvoir porter ce masque dans le cadre de la sécurité intérieure, j’apprécie la façon dont ce projet ouvre une série de questions et de critiques autour du paradoxe entre identités et masques. Nous portons un masque d’identité uniquement pour ne pas être identifiés.
Enfin, il convient de mentionner que, si survoler un ordinateur obsolète et participer à la démonstration publique de l’œuvre semble trop intimidant, de nombreuses pièces interactives peuvent être vécues hors site, dans le confort de son ordinateur privé. Il s’agit notamment du hack grungy d’Adobe Photoshop du collectif Mongrel, Or du patrimoine (1997) via Rhizome Anthologie du net art; Danielle Brathwaite-Shirley NOUS SOMMES ICI À CAUSE DE CEUX QUI NE LE SONT PAS (2020) qui réorganise les jeux textuels des années 1970 pour responsabiliser les joueurs trans noirs ; et AM Darke Oui ou non ?, un jeu « Devinez qui ? » à deux joueurs. jeu en ligne dans lequel tous les personnages sont des célébrités noires.
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