Un mot d’avertissement – la nostalgie froide de l’anime des années 90 de ce didacticiel Blender inspiré de Vaporwave peut vous faire sentir vieux.
C’est étrange d’y penser, mais pour beaucoup d’entre nous d’un certain âge, le seul véritable retour sur une période et un style particuliers provient des films et des émissions de cette époque que nous consommons. Par exemple, alors que j’ai grandi avec les VHS et les DVD, j’étais juste passé l’époque de Betamax. Mais, je savais à quoi on ressemblait parce que j’ai aussi grandi en regardant des émissions comme Cowboy Bebop (qui présente un épisode entier avec un Betamax comme élément central d’un scénario).
Ces styles d’anime spécifiques peuvent être remplis de nostalgie, ainsi que d’émerveillement pour une époque révolue que vous n’avez peut-être même pas connue. Voyons comment l’artiste VFX Jack Mc Veigh expose son processus derrière son populaire Profil Instagram de jackmcv.art pour apprendre les nuances subtiles de la recréation de ce style d’anime des années 90.
Et, quel que soit votre fandom, vous pouvez également apprendre une chose ou deux sur la composition, même si vous n’êtes pas un animateur.
C’est un Gundam !
Comme vous pouvez le voir dans certains des exemples de McVeigh ci-dessus, l’effet particulier qu’il crée peut être assez beau et étrangement relaxant. Ce n’est clairement pas non plus un petit exploit, ni quelque chose que vous pourriez facilement recréer dans votre NLE ordinaire comme Première Pro. (Effets secondaires? Peut-être.)
Pour obtenir son niveau de sophistication dans la composition, la parallaxe, le mouvement et le dessin au trait, McVeigh entre dans le vaste et merveilleux monde de Blender.
Qui, heureusement pour nous, McVeigh nous a donné un excellent tutoriel détaillé qui vous guide tout au long de son processus du début à la fin.
Au crédit de sa communauté créative, il partage également les coulisses de son Instagram afin que vous puissiez partir de là :
Pour ça:
Pour ça:
La chose la plus intéressante que nous voyons est de savoir comment, lorsque McVeigh revient sur l’anime des années 90, il crée quelque chose de cinématographique avec un plan statique. Il y a un mouvement subtil qui, à son tour, donne vie à son cliché. En raison du processus fastidieux d’animation à la main, les artistes d’anime ont utilisé des plans statiques autant qu’ils le pouvaient. Mais en ajoutant du mouvement et en créant une parallaxe, ce qui était autrefois un simple dessin devient un ballet cinématographique.
Rien qu’à partir de cette petite série de vidéos Instagram, nous pouvons en apprendre beaucoup sur la composition pour l’animation et la réalisation de films d’action en direct. Vous n’avez pas toujours besoin de déplacer la caméra. Parfois, vous pouvez laisser le monde bouger autour de vous. Mais si vous êtes un animateur, lisez la suite.
Premiers pas avec Blender
Pour de nombreux cinéastes et éditeurs vidéo qui ne sont peut-être pas très familiers, Blender est un ensemble d’outils logiciels d’infographie 3D qui est idéal pour tous les types d’animation, d’animation graphique et de modélisation 3D. Étant open-source, il est développé par une communauté de créatifs et géré par la Blender Foundation.
Cela signifie que c’est gratuit. Toujours. Vous pouvez même écrire votre propre code Python et modifier le logiciel selon vos besoins.
Bien que cela puisse être un peu intimidant pour ceux qui débutent, ce n’est pas différent que lorsque vous avez ouvert Final Cut ou Première Pro pour la première fois (ou certainement Effets secondaires). Si vous suivez attentivement les didacticiels utiles de McVeigh, vous pouvez être opérationnel en un rien de temps.
Pour vous aider tout au long de votre chemin, voici quelques-uns des éléments de Blender que McVeigh passe en revue dans son tutoriel :
- 0:00 Introduction
- 4:35 Composition et configuration dans Blender
- 11:16 Parallaxe et mouvement
- 14:26 Actifs 2D et 3D
- 15:45 Couleur, dessin au trait et effets post
- 22:34 Fréquence d’images
Vous pouvez également lire comment créer vos propres matériaux ou textures 3D et même combler le fossé entre Blender et After Effects dans ces articles :
Alors, la classe, qu’avons-nous appris ?
Si vous avez jeté un coup d’œil à la vidéo de McVeigh avant d’en arriver là, qu’avez-vous trouvé ? Sinon, discutons un peu plus de ce que les directeurs de la photographie auraient pu apprendre.
Tout d’abord, nous avons déjà mentionné laisser le monde se déplacer autour de votre appareil photo. Alors que le monde de la caméra tourne nos cardans et la stabilisation d’image interne, l’anime des années 90 nous a appris que parfois, tout ce que vous avez à faire est de regarder pour trouver le mouvement dans votre cadre. Pour donner une vision plus abstraite de ce concept, la vidéo Instagram de McVeigh ci-dessus ne fait pas réellement bouger le train. L’image de fond de la ville bouge, ainsi que la rangée de maisons.
Bien que nous ne puissions pas faire cela dans la cinématographie en direct, nous pouvons trouver des endroits où le monde bouge autour de nous. Cela peut être d’avoir notre caméra dans une voiture ou dans un train mais pointant dans une direction perpendiculaire à la direction du mouvement.
Deuxièmement, nous pouvons voir comment McVeigh enveloppe son sujet d’éléments d’arrière-plan et de premier plan. Ce concept n’est pas utilisé à son plein potentiel dans la plupart des projets indépendants. Donc, si nous retirons quelque chose de ces vidéos, c’est ceci : les créatifs doivent trouver leur objectif ou leur sujet, puis construire leur premier plan et leur arrière-plan autour de celui-ci. Ce vers quoi vous dirigez votre appareil photo ne représente qu’un tiers de votre cadre. Ne négligez pas les choses devant et derrière.
Espérons qu’avec ce didacticiel et cette inspiration, vous utiliserez votre appareil photo ou votre logiciel d’animation pour recréer certaines de vos vibrations animées préférées des années 90. Et assurez-vous de partager vos pensées (et vos compositions) dans les commentaires ci-dessous !
