De toutes les séries anime/manga de la nouvelle génération, celle de Tatsuki Fujimoto Homme à la tronçonneuse est facilement l’un des meilleurs et, heureusement, l’un des plus populaires et des plus respectés. Ce qui a commencé comme une simple histoire d’un garçon essayant de changer sa vie en chassant les démons pour gagner sa vie, s’est transformé en un chef-d’œuvre d’un manga qui est toujours aussi fort.
Cependant, quand un manga est si bon, il est beaucoup plus difficile de l’adapter dans un format animé. Certains diront que même les meilleurs anime ne sont pas à la hauteur de l’expérience offerte par leurs homologues manga. Avec un manga si fortement ancré dans les forces de son médium, Homme à la tronçonneuse en est sans doute un exemple.
Qu’est-ce qui rend le manga si génial ?
De nombreux mangaka célèbres sont félicités pour leurs talents uniques. Une pièce’s Eichiro Oda, par exemple, est capable de créer des panneaux et des mondes incroyablement denses, qui se révèlent de manière satisfaisante à ceux qui y prêtent attention. Mon université de hérosKohei Horikoshi de possède l’une des meilleures anatomies de l’industrie et est capable de créer des tours de page à couper le souffle grâce à son talent artistique. Malgré un art moins détaillé ou anatomiquement précis, la force de Fujimoto réside dans la subtilité.
Homme à la tronçonneuse est un manga qui traite de nombreuses émotions complexes, et son rythme précis aide à les transmettre de manière magistrale. Fujimoto réutilise souvent les panneaux, soit avec de petits changements, soit pas du tout. Bien que cela puisse sembler une mauvaise idée, la nature du manga en fait une technique très utile. Dans les mangas, ou tout support statique, le rythme est en quelque sorte contrôlé par le lecteur. Le temps entre chaque panneau est simplement sous-entendu, et l’esprit du lecteur remplit les blancs. Des panneaux répétés impliquent un rythme beaucoup plus lent et des moments plus longs et plus longs. Cela peut être utilisé pour augmenter la gêne d’une situation, impliquer qu’un personnage prend un certain temps pour réfléchir à quelque chose, ou simplement même agir comme un panneau de réaction pour un bâillon. Et puisque les images sont statiques, les lecteurs ont plus qu’assez de temps pour apprécier chaque détail d’une réaction, faisant perdurer toutes les émotions créées par l’art.
Beaucoup de personnages du manga ont également des expressions faciales assez guindées. Malgré cela, ils restent en quelque sorte assez émotifs en raison des implications créées par leurs visages et leurs dialogues. Et les personnages les plus expressifs comme Denji et Power ressortent encore plus à cause de cela. Fujimoto est également doué pour utiliser la nature monochrome du manga pour créer des scènes terrifiantes, telles que la rencontre emblématique avec le diable des ténèbres. Les transitions de panneau à panneau sont également utilisées pour impliquer une vitesse insondable, car un personnage va bien dans un panneau et est décapité dans le suivant. Et tandis que d’autres mangas ajouteraient des lignes de vitesse et de la distorsion pour souligner cette vitesse, Chainsaw Man renonce souvent à cela, donnant l’impression que les exploits de vitesse ignorent les lois mêmes de la physique.
Qu’est-ce que l’anime ne peut pas faire ?
Le plus gros limiteur pour bien s’adapter CM est le moment. Alors qu’un panel de mangas peut être visualisé, analysé et ruminé pendant des minutes, les anime sont obligés de faire avancer les choses à un rythme régulier, ce qui signifie que le poids total d’une action n’est pas toujours terminé avant que la suivante ne commence. Prenez la scène de Makima aplatissant les alliés de Katana Man par exemple. Dans le manga, chaque mort est instantanée, mais laisse un écho obsédant, et toute la scène a cette lenteur délibérée qui ne fait que rendre Makima plus terrifiante. Dans l’anime, même s’il s’agit toujours d’une grande scène, tout se passe beaucoup plus rapidement, ce qui permet de manquer facilement des détails ou de dépasser certaines pensées et observations. Ce n’est pas la faute des animateurs, mais simplement le résultat du médium.
Une autre scène affaiblie est l’embuscade initiale de Katana Man contre Denji et ses amis. Dans le manga, Aki’s Curse Devil était représenté en train de marteler ses coups d’épée au-delà des panneaux, ce qui lui donnait l’impression d’être une entité non liée par les règles du monde. Alors que l’anime inclut ces mêmes actions, le manque de panneaux à manipuler donne plutôt l’impression que les doigts du diable maudit existent dans l’espace physique, ce qui est beaucoup moins terrifiant.
Lorsque le diable maudit tue finalement Katana Man, l’anime choisit également de faire un panoramique lentement sur son corps squelettique, avant de montrer l’attaque réelle. Dans le manga, l’attaque était un seul panneau, et se sentait donc instantanée et brutale. Dans l’anime, la décision a été prise de ne même pas animer la morsure elle-même, ce qui aurait aidé à en vendre la férocité. L’adaptation de cela a clairement laissé les animateurs dans une situation difficile entre suivre le manga et faire leur propre truc, les laissant finalement dans un terrain d’entente qui tombe un peu à plat.
Que pourrait-il faire à la place ?
Malheureusement, le médium de l’animation ne peut tout simplement pas faire ce que peuvent faire les images fixes. Pour donner à chaque instant le même poids, l’anime devrait réduire son rythme, ce qui augmenterait le nombre d’épisodes et donc le coût de la production, sans même garantir qu’il respecterait le standard du manga. Au lieu de cela, il devrait et a fait des efforts pour utiliser les forces de son propre média. Ce sont notamment le mouvement, le son et la couleur.
Le doublage, en particulier, aide à donner à l’anime une longueur d’avance sur son matériel source. Peu importe les voix qu’un lecteur pourrait imaginer dans sa tête, il est plus percutant d’entendre de manière audible les rires fous de Power ou le discours maniaque de Denji. Et heureusement, CM a une distribution de voix incroyable pour y parvenir. L’animation est également stellaire, contribuant à rendre les scènes d’action plus dynamiques et lisibles que le manga ne pourrait le faire. Lorsque de grandes scènes comme l’entrée de Darkness Devil apparaissent, l’anime n’est peut-être pas en mesure d’égaler la terreur pure dans les seuls visuels, mais sa musique peut grandement contribuer à offrir aux téléspectateurs une expérience comparable.
Il faut également dire que les chansons d’ouverture et de fin de l’anime sont d’excellents éléments de contenu bonus qui caractérisent davantage le casting, ainsi que la construction d’une identité auditive plus forte pour le spectacle dans l’esprit du public.
