Le cinéma d’animation japonais a été une grande inconnue pendant de nombreuses années. Mais aujourd’hui, tant la montée en puissance des services de télévision à la demande que la consommation croissante de fiction japonaise sur le marché occidental, ont positionné ce produit dans un lieu de recommandation plus convivial. Quelque chose à célébrer Maintenant, il semble beaucoup plus facile de recommander selon quelles œuvres à un public avec qui peut-être, il y a quelques années, nous n’aurions pas osé (Le truc à propos de mes beaux-parents qui regardent Ghibli est de l’étudier). Une autre conséquence de cette dérive est qu’en tant que groupe, nous commençons à mieux comprendre ce qu’est l’animation. Celui des «dessins» cédait la place à des termes plus précis et aujourd’hui notre perception commence à se rapprocher de la réalité, à envisager l’animation comme une manière dont un nombre infini de genres a sa place, ce qui par définition rend impossible d’être classés comme tels. Cela ne devrait jamais s’appeler ainsi, les chatons meurent quand nous le faisons.

Compte tenu de tout cela, et sachant qu’il y a beaucoup de cinéma à consommer et de nombreuses œuvres passées qui ont perdu en popularité au fil des ans, nous voulons profiter de donner un aperçu des films d’animation les plus importants que nous pouvons trouver dès maintenant sur Netflix. Maintenant, je pense que cette liste ne doit pas être prise comme un haut, d’abord parce qu’elle ne l’est pas; mais c’est aussi certains des films les plus connus de la scène qui ont été ignorés, comme Spirited Away, Princess Mononoke, Porco Rosso ou Howl’s Moving Castle. Tous (et quelques autres) films classiques et incontournables, mais qui, sous le sceau du Studio Ghibli, ont acquis une telle renommée, qu’il est plus utile de réserver leur place à d’autres films qui, peut-être aujourd’hui, ne sont pas si populaires. Cela dit, nous allons avec 10 films avec lesquels nous espérons que quelqu’un découvrira au moins quelques histoires intéressantes à ajouter à sa liste de visionnage. Nous commençons.

Une voix silencieuse – (Naoko Yamada, 2016)

Nous ouvrons avec un ruban capable d’adoucir les cœurs pétrifiés et d’émouvoir ses propriétaires. Un film assez récent qui plonge dans les conséquences des problèmes sociaux liés aux problèmes d’audition et de langage, en le faisant, en plus, d’une manière incroyablement réussie. L’histoire hante Shôko Nishimiya, un élève du primaire qui vient d’arriver dans une nouvelle école. Aux problèmes habituels d’adaptation à ces changements s’ajoute le fait que notre protagoniste est sourd. Dès son arrivée, le long métrage nous raconte une histoire qui met l’accent sur l’incapacité empathique de l’être humain, sur la capacité à former cette aptitude et sur l’impact que la maltraitance a à la fois sur la victime et l’agresseur. Un drame agile et léger, qui entre seul et sait être drôle, nous faisant sourire tout en jouant en remplissant nos yeux de larmes.

La fille qui a sauté dans le temps – (Mamoru Hosoda, 2006)

Makoto est un élève typique d’un lycée japonais classique. Ses deux meilleurs amis, Chiaki et Kosuke, ne sont pas loin non plus de la norme. Tous les trois forment un joli petit groupe en bonne santé qui n’a rien de spécial jusqu’à ce que Makoto reçoive le cadeau de remonter le temps. A ce moment, un film fantastique prend son envol, avec une grande délicatesse visuelle, un grand montage et un rythme équilibré qui flirte avec le contemplatif sans jamais être lent. Le scénario de Satoko Okudera et la main d’Hosoda lui ont valu le prix du meilleur film d’animation au Festival du film de Sitges en 2006. Une de ces histoires qui peu à peu vous surprend et quand vous voulez vous rendre compte qu’elle vous a attrapé par la poitrine de telle manière qu’il est impossible de se débarrasser de son charme. Tendre et rapide. .

Nicky: l’apprenti de la sorcière (Hayao Miyazaki, 1989)

Comme nous l’avons déjà dit, nous n’allons pas trop nous attarder sur Ghibli, mais nous ferons quelques arrêts pour jeter un œil à certaines œuvres que nous pensons essentielles et qui ne bénéficient pas de la renommée et de la reconnaissance des plus récompensées. travaux de la société de production. La première est cette histoire signée par Miyazaki à la fin des années quatre-vingt, un film qui ressemble à une lettre d’amour à la dignité par le travail, un enjeu présent dans toutes les histoires de l’auteur, qui à cette occasion devient le noyau central de l’intrigue. L’intrigue traque la jeune Nicky, une sorcière de 13 ans qui, pour achever son apprentissage, comme le veut la tradition, doit quitter la maison pour apprendre à se débrouiller seule pendant un an. Un film de manières et honnête qui fuit l’épopée pour se réfugier dans les choses importantes du quotidien. Mais il le fait avec rythme et avec une grande capacité à réduire l’échelle et à générer des tensions à travers des problèmes de travail. De l’humour et beaucoup de matière à réfléchir dans un film qui nous parle de l’importance de l’effort, de la responsabilité, de l’honnêteté et, finalement, de l’autosuffisance comme chemin vers le bien-être personnel. Indispensable à voir en famille.

Trilogie Berserk: L’âge d’or – (Toshiyuki Kubooka, 2012-2013)

Et nous abandonnons la vie quotidienne et le réalisme magique pour entrer dans la forme particulière qu’il a Berserk pour réinterpréter le fantasme médiéval. Une trilogie de films qui couvrent l’arc du manga appelé l’âge d’or. Il nous raconte les aventures de Guts, un mercenaire féroce qui se démarque des autres grâce à sa force et son habileté avec une épée. À tel point qu’il attire l’attention de Griffith, le chef du gang des Falcons, un groupe de combattants invaincus sur le champ de bataille. Après avoir rejoint les rangs de Griffith, nous verrons comment les personnages utilisent la délicate situation géopolitique pour s’élever dans la société en faisant de plus grands sacrifices à mesure qu’ils s’élèvent. Des rubans avec un niveau de production irréprochable, des séquences d’action spectaculaires et toute la brutalité et la brutalité que vous attendez de la saga légendaire. Ne convient pas aux esprits délicats.

Fantôme dans la coquille (Mamoru Oshii, 1995)

Nous continuons avec Un classique absolu de l’animation japonaise et du genre cyberpunk. Mamoru Oshii a été présenté au milieu des années 90 avec un film exquis qui a contribué à certaines constructions établies pendant des années dans l’anime. Un exercice qui ne fuit pas le récit complexe, le rythme contemplatif, l’intrigue alambiquée et les dilemmes moraux profonds. Une histoire sur le transhumanisme et l’évolution qui amène à la table des questions philosophiques profondes tout en nous dessinant une dystopie qui puise directement dans des classiques comme «Blade Runner». La musique composée par Kenji Kawai, qui abuse autant des synthétiseurs que Vangelis lui-même, est la cerise sur un gâteau qu’il faut savourer plusieurs fois pour finir de comprendre. Indispensable pour les amoureux du genre.

Akira- (Katsuhiro Ōtomo, 1988)

Et on passe d’un classique à un autre encore plus grand, puisque Akira est synonyme de l’émergence du cinéma d’animation japonais en Occident. Un film générationnel, qui a jeté les bases d’une manière très particulière d’appréhender le cinéma et qui est synonyme de ce que l’on entend par film culte. L’une des plus grandes références du cyberpunk, basée sur le manga du même réalisateur, Akira nous place dans le néo-Tokyo futuriste que l’esprit de Katsuhiro Otomo projetait à la fin des années quatre-vingt. L’histoire est centrée sur Kaneda, le jeune chef d’un gang de motards voués au pillage et à s’amuser à leur manière. Tetsuo, le meilleur ami du protagoniste, subit un accident et se retrouve impliqué dans une expérience dangereuse aux conséquences catastrophiques pour la mégapole. De la science-fiction, des pouvoirs psychiques, les motos les plus charismatiques jamais données par l’animation et une intrigue aussi complexe que bien tissée. Un travail obligatoire.

L’histoire de la princesse Kaguya – (Isao Takahata, 2013)

L’autre grand nom du Studio Ghibli, qui semble rester caché au grand public derrière la figure de l’incontestable Hayao Miyazaki, mais qui a signé des films aussi connus que «La Tombe des lucioles». Je parle d’Isao Takahata, qui pour beaucoup est leur directeur de studio préféré (je m’inclus moi-même). Takahata a surpris amis et étrangers en 2013 avec cette cassette basée sur le conte folklorique japonais connu sous le nom de «The Bamboo Cutter». Après une très longue production (8 ans), le film n’a pas réussi à relever ce que le producteur attendait. Mis à part les chiffres, nous sommes confrontés à un exercice d’animation exquis. Son style particulier, avec une ligne simple et libre, perfectionne ce qui a été vu dans «Mes voisins le Yaamda», donnant au film une esthétique belle et charismatique, qui est loin des canons habituels. Une parabole existentialiste qui nous raconte la vie et l’importance de la vivre sans se soumettre aux pressions sociales, racontée à travers le Japon féodal et les archétypes des classes sociales de l’époque. Différent.

Pompoko (Isao Takahata, 1994)

Nous continuons avec Isao Takahata et cette fois nous allons au 94 pour plonger dans son sensationnel Pompoko, une bande qui s’attaque au développement immobilier sauvage du Japon à travers une adorable société de ratons laveurs. Les forêts luxuriantes dans lesquelles vivent ces êtres sont sur le point d’être rasées pour construire une grande urbanisation qui changera complètement l’orographie de l’environnement. Avec ce scénario, comme il l’a fait à d’autres occasions, Isao He aborde des thèmes pour adultes sans beaucoup d’édulcorant, sans positions écornées ni discours faciles, toujours dans une position mature qui invite le spectateur à contempler la complexité des problématiques que ses œuvres traitent. Mais le réalisateur a la capacité d’envelopper ces discours de tendresse et de plaisir grâce aux ratons laveurs les plus charismatiques de la scène audiovisuelle. Nous sommes, en effet, devant une autre histoire naturaliste, à ceci près qu’à cette occasion les protagonistes sont des militants qui recourent à toutes sortes de manœuvres pour arriver à leurs fins, avec les débats éthiques que cela implique et les guerres internes que cela peut déclencher. Une histoire d’échecs s’est transformée en une fête constante qui honore le jeu. Bizarre, parfois dérangeant, mignon et follement drôle.

Bleu parfait (Satoshi Kon, 1997)

Et nous terminons avec le grand Satoshi Kon et Perfect Blue, son premier long métrage, un thriller psychologique extrêmement influent sur des personnalités comme Cristopher Nolan et Darren Aronofsky (qui a obtenu les droits de la bande pour pouvoir l’inspirer librement pour son «Black Cygne »). Le scénario se concentre sur Mima, une chanteuse et actrice japonaise qui représente le stéréotype des femmes. Iarr. Tape explore le voyage vers la pression sociale et mentale d’une carrière fulgurante dans le show business et les conséquences du phénomène des fans lorsqu’il franchit la frontière entre la dévotion et l’intimidation. Un film qui sait accompagner le spectateur dans le quotidien du protagoniste jusqu’à le placer dans un point de non-retour régi par l’angoisse, la terreur et la confusion. Puissant, impressionnant et extrêmement intelligent. Un film à regarder les yeux fermés si vous aimez les manœuvres narratives complexes qu’articulent habituellement des réalisateurs comme ceux mentionnés au début du paragraphe. Élégant.