Le musicien et compositeur français Para One (de son vrai nom Jean-Baptiste de Laubier) a parcouru un chemin quelque peu inhabituel tout au long de sa carrière musicale. Après avoir planté la scène avec son ‘Epiphanie‘ en 2006, de Laubier a tourné dans plusieurs autres projets de studio solo tout en changeant de cap, dirigeant son navire vers la création de musiques de films et de bandes sonores.

Dans le monde des OST, de Laubier a trouvé des bases solides, en travaillant avec la célèbre cinéaste Céline Sciamma sur ses films très célèbres tels que ‘Garçon manqué‘ (2011), ‘Jeunesse‘ (2014) et ‘Portrait d’une dame en feu‘ (2019). Il est plus proche du monde des partitions et de la composition où son dernier album, ‘SPECTRE : Machines de la grâce aimante’, s’assoit, bien plus que le monde des années 2014 ‘club‘, une affaire hédoniste.

Au lieu de cela, de Laubier se tourne vers des domaines plus exploratoires, nourri de sa passion pour les bandes originales d’anime légendaires – comme l’inimitable ‘Fantôme dans la coquille‘ bande originale de Kenji Kawai — mais aussi vers l’expérience personnelle de voyager, de créer et d’enregistrer de la musique avec d’autres en cours de route.

Le résultat est un album si éloigné de son travail antérieur qu’il pourrait facilement être interprété à tort comme quelque chose fait par un individu totalement différent. ‘clubL’énergie alimentée par le glucose et la taurine a complètement disparu, à la place d’un son conscient et informé au niveau international, certainement développé à partir de ses voyages à travers le Japon et de ses leçons d’instrument Jegog à Bali par un maître local, mais également dérivé de une attention sévère à la discipline musicale et à la technique sur des homologues électroniques plus familiers.

Sorti numériquement via Animal63, avec une édition vinyle via le désormais légendaire label We Release Something The Fuck We Want (WRWTFWW), le label de réédition abritant Midori Takada, Satoshi Ashikawa et Kenji Kawai, bien-aimés de de Laubier.SPECTRE: Machines de la grâce aimante‘ est accompagné de trois EP de titres phares ‘Shin Sekai‘, ‘Alpes‘ et ‘Cadran solaire‘, garni de remix de noms du haut de la pile : Actrice, Ricardo Villalobos, Alva Noto, voire Call Super.

S’adressant à Inverted Audio, de Laubier discute du vaste monde conceptuel et de la trilogie artistique de ‘SPECTRE‘ (dont ‘Machines de la grâce aimante‘ n’est que le premier volet), comment la création de musiques de film a eu un impact sur sa production, et l’importance des voyages et l’impact de la visite de différents musiciens d’aussi loin que Bali et le Japon, pour rechercher la source de la voix mystique de Kenji Kawai en Bulgarie.


Interview by Freddie Hudson

Paraone Portrait 6 72dpi

"This album could be described as an attempt at therapy through music. There’s tension and a sense of claustrophobia and suppressed feelings..."

Salut Para One – merci d’avoir répondu à nos questions sur ce projet. J’aimerais commencer par essayer de comprendre un peu plus le lieu de naissance de ce projet. Qu’est-ce qui a déclenché la créativité pour cet album et les EP ? Y a-t-il eu un moment ou un événement important, ou quelque chose qui est venu naturellement ?

Tout revient à l’idée de faire un film, mon premier long métrage en tant que réalisateur. Alors que je travaillais sur le scénario avec Céline Sciamma (avec qui je travaille en tant que compositrice pour ses films), j’ai découvert un secret de famille. C’est l’événement qui m’a poussé à enquêter et à passer du temps sur la route à la recherche de réponses.

J’écrivais et enregistrais beaucoup de musique en cours de route, ce qui était censé être la partition de ce film. C’est comme ça ‘Machines de grâce aimante’ est venu à la vie. J’ai réalisé que j’avais un album entier, et un film entier, et une idée pour un spectacle vivant. D’où le concept d’une trilogie nommée “Spectre» qui contient tout cela.

Nous souhaitons en savoir plus sur les concepts du film et du spectacle en direct. Nous supposons que par « film », vous faites référence à un projet à plus grande échelle que les clips musicaux déjà sortis ? Quels détails pouvez-vous partager du spectacle en direct prévu ?

Oui, c’est un projet à plus grande échelle que les clips. ‘Spectre‘ est une trilogie en trois parties : l’album, ‘Machines de grâce aimante‘, le spectacle en direct, ‘Fonctionnement de la machine‘, qui fera ses débuts à la Philharmonie de Paris le 11 juillet, et ‘La raison, la folie et la famille’, mon premier long métrage en tant que réalisateur qui sortira plus tard cette année.

Les clips étendent un peu l’univers du film, mais ils y sont liés. En ce qui concerne le spectacle vivant, c’est la première fois que je travaille avec un scénographe donc j’ai hâte de fusionner les visuels, la lumière et la musique sur scène.

Il semble assez spécial d’avoir la sortie de l’édition vinyle à travers WRWTFWW – l’un des labels les plus importants ayant sorti de la musique au cours des 5 dernières années. Avec l’accent mis par le label sur les rééditions (bien que, comme indiqué, aussi tout ce qu’ils veulent), comment s’est déroulée la conversation autour de la sortie du vinyle à travers eux ?

Je suis d’accord qu’ils sont incroyables! Ils sont aussi amis de longue date. C’était un rêve devenu réalité de collaborer avec eux sur cette sortie, avec mon label Animal63 dirigé par Manu Barron. Il y avait beaucoup d’éléments dans le disque qui étaient liés à ce qu’ils avaient sorti dans le passé : des OST, de la musique minimale ou ambiante, etc. Donc je suppose que c’était logique pour eux de sortir mon album.

Connaissiez-vous leurs versions précédentes ? Avez-vous des favoris?

Absolument, j’ai des tonnes de leurs versions précédentes. Je dirais que mes favoris de tous les temps sont la première réédition de Midori Takada [‘Through The Looking Glass‘] et le ‘Fantôme dans la coquille‘ bande sonore.

Le morceau de Shin Sekai, en particulier, s’inspire beaucoup de sources japonaises, du quartier d’Osaka aux voix de ‘Ghost In The Shell’ et aux tambours Taiko. Qu’est-ce qui a alimenté cela en termes d’inspiration?

Shin Sekai” moyens “Nouveau monde” en japonais et est un élément clé dans le scénario du film, mais cela se dévoilera lors de la sortie du film plus tard cette année ! J’ai évidemment été inspiré par des bandes originales d’anime japonais comme ‘Akira‘ ou alors ‘Fantôme dans la coquille‘, mais dans ce cas, j’ai retrouvé l’inspiration de Kenji Kawai, qui était à l’origine sa fascination pour la musique folklorique bulgare.

J’ai donc voyagé là-bas et enregistré “Le Mystère Des Voix Bulgares», un groupe culte de Sofia, que Kawai admirait beaucoup. C’était une façon pour moi de faire le lien entre toutes ces inspirations éparses et ces sons qui m’obsédaient à l’adolescence.

Qu’est-ce qui vous a donné la confiance nécessaire pour en faire un EP ? Pourquoi avoir sélectionné Actrice, Alva Noto et speaKwave pour les remix de celui-ci ?

J’ai décidé que c’était une déclaration forte de sortir cette chanson en premier, juste pour préciser que cet album allait être différent du reste de ma discographie. Il résume également de nombreux aspects de l’album. Ensuite pour les remix, ce sont 3 héros de tous les temps pour moi. Même speaKwave – les gens ne le connaissent pas sous ce nouveau surnom mais c’est en fait Dynarec, un producteur français que j’admire depuis très longtemps.

De même, nous nous intéressons aux raisons qui ont poussé Ricardo Villalobos et Superpitcher à remixer ‘Alpes’.

Alpes‘ était plus un voyage, je voulais mettre l’accent sur les aspects psychédéliques de la chanson. Villalobos nous a offert cette très longue expérience musicale, assez intense ! Et Superpitcher est un ami. Il voulait écouter tout l’album et même regarder le film avant de faire le remix et il a livré d’une belle manière.

Après vos deux premiers albums studio, vous avez commencé à travailler beaucoup sur la composition. Qu’est-ce que cela vous a appris en termes de composition de ce disque ? S’agit-il de connaissances pertinentes ? Comment cela a-t-il façonné vos styles musicaux ?

Tout d’abord, quand il s’agit de musique moderne à l’écran, moins c’est plus. Vous avez tendance à l’apprendre à la dure lorsque les réalisateurs vous demandent de jeter 60% de ce que vous avez produit pour une séquence. Mais ensuite, il est vraiment intéressant de réécouter la musique sans les images et de se rendre compte que parfois cela fonctionne réellement tel quel.

Cela m’a donné la confiance nécessaire pour développer de longues parties relativement calmes, dans l’album, pour aider à contraster avec les moments les plus intenses. Aussi, grâce à Céline Sciamma et sa productrice, j’ai eu la chance de travailler avec de nombreux musiciens et d’enregistrer de la musique acoustique pour les partitions que je composais. C’est ensuite devenu mon équipe pour ‘Machines de grâce aimante‘.

Votre album a été grandement inspiré par vos voyages à Bali, en Bulgarie et au Japon vous ont grandement inspiré tout au long de la composition de votre album. Pouvez-vous nous dire ce que vous avez trouvé de plus significatif dans ces voyages ?

Chacun de ces voyages avait une signification particulière pour moi, et était une quête spécifique de sons et de réponses. Il est donc difficile de résumer toutes ces aventures en une phrase, mais je suppose que la leçon la plus significative était que, harmoniquement ou rythmiquement, tous ces musiciens que nous avons rencontrés et enregistrés avaient leur propre approche, ils étaient tous hors de la grille dans leurs propres voies. En Indonésie (avec Gamelan) ou au Japon, les gens jouent dans des modes harmoniques qui n’existent pas vraiment dans un DAW.

J’ai donc dû m’adapter, étudier, sortir de ma zone de confort pour confronter mes compositions à leurs traditions. A Bali, on m’a dit que ma musique était très bizarre ! Mais c’était un échange vraiment fascinant.

D’une certaine manière, les deux soleils qui cohabitent sur la pochette de l’album représentent ces deux visions possibles d’un monde – comme les polyrythmies que l’on entend à la fin de “Futatsu No Taiyo” (“deux soleils” en japonais). C’est comme des cadences différentes superposées.

Vous avez déclaré que c’était votre première main dans les instruments acoustiques. Qu’avez-vous appris ici ? Avez-vous appris les instruments à l’avance ou avez-vous joué au toucher ?

J’ai essayé d’apprendre, par exemple, l’instrument Jegog à Bali, comme m’a enseigné M. Suwentra, le maître de Suar Agung qui est malheureusement décédé après que nous l’ayons enregistré et filmé. Et j’étais si mauvais à ça ! Cela implique beaucoup de mémoire musculaire et une maîtrise de la polyrythmie que je ne pourrais pas atteindre de toute une vie. C’est la musique qu’ils jouent tous les jours. J’ai donc choisi d’enregistrer ces interprètes et de travailler main dans la main avec eux sur les compositions.

Quels enseignements de la production électronique pourriez-vous apporter au domaine acoustique ?

Depuis que j’ai grandi en écoutant de la musique en boucle, je n’ai jamais été attiré par les « jams » et les solos techniques. Je pense que cela peut devenir un piège à mesure que les interprètes deviennent de mieux en mieux, de se perdre dans la fascination pour l’exécution. Bien sûr, j’aime les disques de jazz incroyables tout comme les autres, mais pour rester concentré sur mes compositions, j’aime forcer les musiciens à exprimer moins d’intensité.

Certains pensent que c’est une expérience frustrante bien sûr mais le résultat en vaut la peine. J’ai lu un article de Midori Takada dans les notes de pochette pour ‘Wave Notation 2 – Still Way‘ de Satoshi Ashikawa qui résume bien cette approche. J’encourage les gens à lis le.

Enfin, s’il y a un ensemble d’émotions ou de sentiments centraux que vous espérez transmettre avec ce disque, quels pourraient-ils être ?

Cet album pourrait être décrit comme une tentative de thérapie par la musique. Il y a de la tension et un sentiment de claustrophobie et de sentiments réprimés, puis cela se résout par le conflit et donne enfin un sentiment d’ouverture et de liberté. C’est ce que j’ai essayé de transmettre et j’espère que cela se traduira, car c’est exactement ce que j’ai vécu en faisant ce disque.

‘SPECTRE: Machines of Loving Grace’ est maintenant disponible via Animal63 et WRWTFWW. Commandez un exemplaire auprès de Camp de bande.

LISTE DES PISTES

1. Vertige
2. Shin Sekai
3. Satori virtuel
4. Cadran solaire
5. Atlantique
6. Faune
7. Alpes
8. Yret
9. Jungle de silicium
10. Ars-Nova
11. Futatsu No Taiyo

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ArtistePara UnÉtiqueterAnimal63WRWTFWWGenreÉlectronique Musique de filmMicrotonalBande sonore

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