Cette même année, l’adaptation du long métrage d’anime («animé») romprait à nouveau définitivement avec les conventions. Le Japon à la fin des années 80 était en plein essor économique. Sa richesse relative était à l’époque si grande qu’elle était vu par beaucoup en Occident en tant que rival économique et menace possible pour l’hégémonie américaine, tout comme la Chine l’est actuellement. L’éditeur de mangas Kodansha, le distributeur Toho et le studio d’anime TMS ont formé le comité Akira, se réunissant pour accorder au film Akira un budget de 1 milliard de yens, le plus important jamais accordé à une production d’anime à ce jour.

Le look stylisé et non réaliste qui a tendance à caractériser l’anime japonais, qui remonte à nouveau à Astro Boy et au travail d’Osamu Tezuka, était au départ au moins une réponse créative à l’incapacité des studios d’animation japonais à concurrencer financièrement des entreprises américaines comme Disney. Les animateurs utilisent les termes «1s», «2s» et «3s» pour désigner le nombre d’images pour lesquelles une image est conservée. L’utilisation d’une image par image donne l’effet le plus fluide, mais nécessite deux fois plus d’images que de travailler en 2s. La plupart des anime à ce stade avaient fonctionné pour la plupart en 2s ou plus. Libéré des préoccupations financières et doté d’une totale liberté de création par le Comité Akira, Otomo a embauché 68 des illustrateurs les plus talentueux de l’industrie de l’anime et s’est mis à l’artisanat. 160000 images d’illustrations incroyablement complexes, chacun peint à la main.

Surpeuplés et chaotiques, avec un soupçon de néo-noir, les paysages urbains cyberpunk d’Akira ont eu un impact profond sur le cinéma, influençant The Matrix, Inception et Stranger Things, parmi d’innombrables autres productions, étant référencés dans les vidéoclips de Janet et Michael Jackson. « Crier » et Kanye West’s « Plus forte, » et sans doute relancer l’engouement pour l’anime au Royaume-Uni. La partition originale d’Akira, dont les copies en vinyle, jusqu’à leur réédition en 2017, étaient un objet de collection rare à des prix de plus de 800 $ en seconde, correspond à l’animation à la fois audacieuse et influente. marchés à la main.

La partition a été composée par Geinoh Yamashirogumi, le collectif de musique non-conformiste dirigé par le biologiste moléculaire Tsutomi Ōhashi, connu sous son pseudonyme Shoji Yamashiro. Fondé en 1974, le collectif est composé de centaines de membres issus de diverses professions et horizons. Selon son site Internet, Geinoh Yamashirogumi est «un groupe expérimental qui cherche et vérifie le mode de vie original de l’humanité promis par l’ADN génétique» avant d’être un groupe d’arts du spectacle, et est une base pour «la critique de la civilisation qui agit». Apprendre de la sagesse de la communauté traditionnelle et éliminer la spécialisation et le fonctionnement unique, la « création de groupe » et la « création de personne » régulière et sincère est la vraie valeur de la communauté multi-performance Yamashirogumi.

Connu auparavant pour ses interprétations fidèles de styles folk du monde entier, le groupe a innové avec son album de 1986 Écophonie Rinne, une pièce en quatre mouvements structurée autour du cycle de la naissance, de la mort et de la renaissance, qui a fusionné les percussions du Japon et du Tibet avec la musique Noh, le gamelan balinais et les synthétiseurs midi pour former un son éthéré et expansif qui semble trop large pour rentrer dans des catégories comme neuves âge ou « 4ème monde ». Geinoh Yamashirogumi reste obscur, malgré le succès d’Akira, mais avec cet album leur contribution au développement de la musique électronique a été substantielle.

Dans les années 80, les synthétiseurs n’étaient pas capables de reproduire les accords de la musique gamelan, qui ne suit pas l’accord tempéré des gammes occidentales et implique donc des inflexions microtonales qui n’étaient pas intégrées dans les synthés de l’époque. Accordages Gamelan ne suivez pas les gammes attachées à des notes spécifiques, mais divisez plutôt en deux systèmes d’accord qui fonctionnent comme des lignes directrices pour la dispersion des intervalles dans une octave: le système slendro, qui comprend cinq notes d’intervalles à peu près égaux à l’octave et peut sembler occidental oreilles comme une gamme pentatonique désaccordée, et le système pelog, qui comprend sept notes à l’octave, avec des intervalles variables entre. Le groupe a appris à reprogrammer les synthés afin qu’ils puissent rendre compte de cette complexité, un développement qui en 1988 avait été incorporé dans le Roland D-50 et le Yamaha DX7-II, qui figurent tous deux dans la bande originale d’Akira.

En entendant Ecophony Rinne, Otomo a enrôlé Geinoh Yamashirogumi bien avant même que l’illustration ait commencé. Dans un rare acte d’audace créative, il a confié «l’architecture sonore» du film à Yamashiro, lui donnant une totale liberté de dicter son rythme et son humeur, avec seulement les mots « festival » et « requiem » sous forme de mémoire. Les éléments visuels ont ensuite été construits autour de la musique. Dans une interview à l’époque, Yamashiro a déclaré: «Tout ce que j’ai fait, c’est tout mettre en œuvre et écrire musique totalement autonome que je voulais entendre, que les autres soient damnés… J’ai l’impression de me balancer avec une épée les yeux fermés. J’ai l’impression de couper net à travers quelque chose. Mais je ne sais toujours pas si j’ai frappé ce que j’étais censé faire, ou si je viens de me trancher la jambe. « 

Le résultat fut une grande fusion de musiques folkloriques d’Asie de l’Est, d’œuvres chorales symphoniques comme la Messe en si mineur de Bach, l’Ode à la joie de Beethoven et le Chant des forêts de Chostakovitch, et des passages électroniques percussifs qui ne se sentiraient pas à leur place parmi certains des des factions «one-world» plus explicitement orientées vers le monde de la scène rave britannique du début des années 90. En effet, des échantillons d’Akira surgissent partout dans la musique de danse des années 90, de duo rave Monde souterrain, dont le succès commercial était dû à un autre moment de métissage culturel avec le cinéma dans l’apparition de leurs morceaux « Dark & ​​Long (Dark Train Mix) » et « Né Slippy.NUXX » dans Trainspotting de Danny Boyle, au duo allemand de transe dure Rayon de soleil.

Dans la séquence d’ouverture d’Akira, chef-d’œuvre technique de l’animation, les protagonistes affrontent un gang de motards rival tout en courant dans la ville, blessant des civils et provoquant le chaos et la destruction en cours de route. Avant de monter sur son vélo, Kaneda, en quelque sorte le héros du film, sélectionne un CD dans le jukebox d’un bar qu’il attendait, déclenchant le premier point d’entrée de la musique de Geinoh Yamashirogumi. La piste, également appelée «Kaneda», est un entraînement polyrythmique époustouflant, juxtaposant le jegog balinais, un instrument de percussion accordé construit à partir d’un certain nombre de troncs de bambou, avec des claps et des caisses claires réverbérantes.

Alors que les gangs s’affrontent enfin, la piste suivante commence. « Battle Against Clown » est encore une autre bête polyrythmique roulante, mais cette fois-ci comprenant des voix aspirées urgentes et intenses, rappelant le thème lancinant et déconcertant de Goblin de Suspiria. Une autre utilisation profondément troublante du chant vient dans la piste «Polyphonie de poupée» qui amplifie la tension d’une scène inquiétante dans laquelle Tetsuo hallucine des poupées animées grimpant sur son lit et prenant des proportions terrifiantes, en séquençant des voix d’enfants désincarnées et fragmentées dans une comptine de mélodies entrelacées sinistrement stochastiques.

À l’apogée du film, l’épopée de 14 minutes « Requiem » nous porte à travers plusieurs mouvements et un spectre complet d’intensité. Après s’être annoncé avec des crashs de batterie prolongés et rituels, des toms synthétiques et des caisses claires délavées dans une réverbération caverneuse, tout accompagnement cesse, laissant un chœur enveloppant dans un chant funèbre. Celui-ci cède à son tour la place à un orgue d’église, jouant d’abord avec nostalgie, mais bientôt jusqu’à un pas de fièvre, avant de nous ramener doucement au chant triste. Le film se termine par une variation sur le thème de Kaneda, avec lequel nous avons commencé.

Alors qu’Akira est, bien sûr, surtout connu pour son impact sans précédent sur l’animation, au Japon et dans le monde, et sur l’esthétique de la science-fiction plus largement, c’est aussi un film construit assez délibérément sur des fondations musicales. Le rythme et le rythme de l’animation, termes bien sûr empruntés aux royaumes de la musique, ses flux d’énergie et sa variation dynamique, sont dirigés par les mouvements mouvants de la partition. Masterclass à bien des égards, c’est aussi un rappel de l’immense puissance affective que peut générer le mariage de la musique et des visuels, élaborés ensemble en symbiose.