Ecrire une bande originale peut être une tâche ardue pour les producteurs, dont beaucoup ont trouvé leur succès en créant leur propre univers musical, mais dans le cas de l’énigmatique artiste électro DANGER, le défi s’est traduit par un véritable travail d’amour.

Le producteur masqué, dont le son a mené la courbe depuis son 14/09 2007 EP il y a plus de dix ans, a récemment déplacé l’attention de son propre univers vers celui de Havre, la sortie d’aventure la plus récente du studio de jeux français, The Game Bakers. DANGER laisse son esthétique sombre et aggro à la porte en écrivant la bande originale de Havre, au lieu d’aligner son son dans la fantaisie riche et vibrante du jeu comme un bijou parfaitement ajusté. L’OST se donne beaucoup de mal pour représenter la relation Havre’s noyau, mais parvient également à se démarquer comme un LP électronique opulent et évocateur.

Astronaute dansant s’est assis avec DANGER pour discuter de son approche de la Havre bande-son, ses racines artistiques basées sur l’anime et tout ce qui concerne le jeu. De plus, le producteur français se rendra sur Twitch le samedi 20 mars à 6h00 HNE (11h00 HEC) avec une performance exclusive des chansons de la sortie. Regardez le flux en direct ou regardez un enregistrement après l’événement ici, et trouvez les questions et réponses complètes ci-dessous.

Vous avez parlé de la façon dont vous appréciez la sortie de votre musique pour que chacun puisse l’interpréter différemment et trouver son propre récit. Cependant, avec un projet comme Havre il semble que vous produisez pour un récit existant. D’un point de vue créatif, cela ressemble-t-il plus à un obstacle ou à une opportunité, et comment cela a-t-il affecté votre approche de l’écriture de la musique?

DANGER: Oui, j’ai l’habitude de créer ma musique accompagnée d’images et d’un univers que j’ai créé moi-même. J’ai tout de suite compris l’univers de Havre enfin, c’est le genre de monde que je voulais évoquer depuis un moment, l’un des dessins animés franco-japonais des années 90, la décennie dans laquelle j’ai grandi.

Les Mysterious Cities of Gold, Ulysse 31, Jayce and the Wheeled Warriors… Ces coproductions entre le Japon et la France étaient souvent moins basiques et radicales que les dessins animés purement japonais ou américains, mais leur atmosphère était nettement plus particulière et subtile – on pouvait se sentir leur côté français modéré, parfois presque éducatif et surtout ils avaient de très bonnes bandes sonores. Je les écoute encore aujourd’hui.

Je voulais utiliser ces univers musicaux pour faire un album depuis longtemps. C’est le parfum étrange de ces dessins animés de mon enfance avec lesquels j’ai trouvé Havre, et j’ai tenu à donner [it] une bande-son originale qui sonne vraiment française avec des notes du Japon – des sons rétro-futuristes. J’ai donc écouté beaucoup de musique de jeux vidéo français des années 90, quand il y avait déjà un style de jeu français: Another World d’Eric Chahi, Alone in the Dark, la bande originale de Dune de Stephan Picq, Lost Eden de Cryo, Remi Gazel pour Rayman (RIP). Toutes ces références ont joué leur rôle dans la construction de cette bande originale. J’aime essayer de comprendre ce qui fait que les éléments de ma musique sonnent «français», et j’aimerais continuer à développer cette touche française dans la musique, les images et les jeux vidéo. C’est ce que j’essaye de faire avec mon label 1789 Registres.

D’après ce que je comprends, vous êtes un assez grand fan des jeux Final Fantasy (ou du moins de leurs bandes sonores). L’une de mes choses préférées à propos des bandes sonores de RPG (jeu de rôle) a toujours été la diversité de leurs bandes sonores en tant que package complet. Vous avez des combats de boss, des thèmes d’aventure en monde ouvert, des jingles de victoire, des airs à boper en ville et visiter des magasins, et même des pistes écrites uniquement pour parcourir les menus. Y a-t-il eu des moments de Havre pour lequel vous étiez particulièrement enthousiaste à l’idée d’écrire de la musique ou que vous avez été agréablement surpris par les résultats de?

DANGER: Je viens d’une génération en France qui, pour la première fois, a grandi en découvrant d’un côté toute une partie de la culture japonaise «moderne» manga, anime et jeux vidéo, et de l’autre, la bande dessinée américaine, la culture hollywoodienne, la télévision spectacles, et plus encore. De plus, l’arrivée d’Internet a eu un impact énorme sur nous tous. Final Fantasy, le déclencheur d’un chronomètre, Secret de mana. La fantaisie japonaise était plus cool et moins sérieuse que la fantaisie européenne médiévale à laquelle nous étions habitués.

Final Fantasy a été l’un des premiers JRPG que j’ai joué et les bandes sonores de Nobuo Uematsu pour Final Fantasy V, VI, et VII tout coincé avec moi.

J’ai longtemps rêvé de pouvoir écrire un RPG OST avec de la musique pour les combats en forêt, le thème du premier village, etc. C’est un travail très illustratif et contrasté qui doit être amusant à faire, mais c’est une approche c’est plus adapté à un RPG traditionnel, et donc très long.

Havre C’est un jeu assez court, plus concentré, j’ai donc essayé d’imaginer la musique comme une collection de moments mémorables qui sous-tendent les souvenirs d’une journée – le matin, le coucher du soleil, la nuit, le brouillard, la pluie.

Le HAVRE la bande-son s’éloigne un peu de vos sons électro plus sombres. Avez-vous déjà envisagé de le publier sous un pseudonyme ou vous êtes-vous toujours senti canon avec l’alias DANGER?

DANGER: J’ai trois autres alias pour le moment, @facingthesunset, @iamlilbrain et @ franckrivoire42. Il m’a semblé évident que Havre était directement lié à DANGER et que cela me permettrait de faire des choses que je n’aurais peut-être pas faites avec une sortie d’album traditionnelle.

La majorité des chansons de DANGER sont assez sombres mais il y a toujours plus de mélodies innocentes au milieu des chansons, comme «11:02» et «11:30». J’essaye d’évoquer quelque chose qui fait peur en contraste avec des mélodies innocentes qui évoquent des rêves d’enfance.

C’est ce qui me plaît dans l’adolescence que j’évoque dans tous mes projets.

J’ai composé la majorité de la bande originale pendant l’épidémie de COVID-19. Je pense vraiment que les jeux vidéo ont aidé beaucoup de gens à faire face à la gravité de la situation. Parfois, ils m’ont permis d’échapper à la réalité, ce qui n’est pas toujours facile à vivre même quand les choses sont normales. Je pense que vous pouvez sentir que j’aimais pouvoir explorer la musique sans vraiment penser aux conséquences de la pandémie, et c’est ce qui donne à toute la bande son son ambiance, quelque chose de plus innocent et léger.

J’ai grandi sur un mélange de bandes sonores de RPG et de jeux de musique japonais (comme Dance Dance Revolution, Beatmania IIDX et Musique pop’n), qui, à mon avis, a fait un excellent travail en définissant deux extrémités du spectre qui ne suscitent pas beaucoup d’attention. Y a-t-il eu des bandes sonores particulières qui vous ont ouvert les yeux au-delà de la «musique populaire» au fur et à mesure que vous développiez votre style?

DANGER: Les bandes sonores de jeux vidéo ont vraiment été la première musique électronique que j’ai entendue de ma vie. C’est tout ce que j’ai écouté. Mon premier ordinateur était un Commodore Amiga 500, j’ai appris la musique à travers lui, grâce aux bandes sonores fantastiques de Ombre de la bête, Jim Power, Sœurs Giana, Cœur de Lion… Je parle de Chris Hülsbeck, mais aussi de Stephan Picq. J’ai toujours écouté beaucoup de musique de jeux vidéo, car elle évoque des images épiques, des sentiments et des aventures plus rares dans la musique pop. De toute évidence, beaucoup de jeux sur Genesis, Super Nintendo, Saturn, PS1, 2 et 3 et d’autres ont des bandes sonores impressionnantes, mais mes racines sont dans ces airs Amiga effrayants et épiques.

C’est pour toutes ces raisons qu’avoir l’opportunité de composer une bande originale entière est un rêve pour moi.

J’avais interviewé le producteur français SebastiAn l’année dernière et j’ai été surpris d’apprendre que son film de rêve à marquer serait quelque chose du genre Interstellaire ou L’arrivée, qui s’éloignent assez loin de ses sonorités électro-françaises et industrielles. De même, quel serait votre jeu vidéo de rêve pour avoir eu l’opportunité d’écrire une bande originale?

DANGER: Comme SebastiAn, j’adorerais composer de la musique pour un film de science-fiction ou fantastique. Les deux films qu’il mentionne sont également en tête de ma liste. De nombreux musiciens de la génération French Touch 2.0 dont je fais partie sont très passionnés de cinéma / image, souvent des cinéphiles, donc la plupart d’entre nous sont heureux de composer une musique qui accompagne les images. Images et son – mon objectif a toujours été de ne pas choisir entre eux. Je veux juste plonger profondément mon auditeur dans un univers, une expérience.

Je pense que les bonnes bandes sonores viennent toujours d’un travail collaboratif entre un réalisateur et un compositeur, comme John Williams avec Lucas et Spielberg, Hans Zimmer avec Nolan, Howard Shore avec David Cronenberg, John Carpenter avec John Carpenter…

Pour moi, il n’y a pas de film ou de jeu vidéo culte sans une bande-son culte. L’un doit inclure l’autre.

Aujourd’hui, je suis plus passionné par les bandes sonores de jeux vidéo. Vous pouvez faire tellement de choses avec la musique concernant l’interactivité, le récit, etc. J’ai travaillé avec Riot Games et Sony, et j’étais si heureux de créer toute une bande-son pour Havre. J’adorerais continuer sur cette voie. Cela correspond également à l’esthétique et aux objectifs de mon projet.

J’aimerais continuer à développer des collaborations avec des directeurs de jeux vidéo créatifs. Je suis fan de Fumito Ueda, Hideo Kojima. J’aimerais aussi continuer à travailler avec des studios français et essayer de créer quelque chose de différent.

Skrillex a récemment eu l’occasion de co-écrire la chanson thème de Kingdom Hearts 3, qui a obtenu une version orchestrale assez inspirante après la sortie du jeu. Laquelle de vos chansons du Havre Pensez-vous que la bande-son ferait la meilleure interprétation orchestrale?

DANGER: J’ai écrit beaucoup de mélodies pour cette bande originale. La plupart des chansons pourraient être transposées dans une version orchestrale je pense. J’adorerais entendre ça.

Le plus évident serait «07:41 Le début de quelque chose» et «22:12 jusqu’à la fin des temps». Les deux sont presque exclusivement orchestraux.

Pourquoi pensez-vous que certains types d’art japonais (anime / jeux vidéo) sont si convoités, alors que nous voyons peu d’influence de la culture dans d’autres domaines comme l’industrie mondiale de la musique?

DANGER: Le Japon a grandement influencé ma génération sur le plan culturel. Chaque geek a une fascination pour le pays. Hollywood commence à adapter certaines des plus grandes histoires d’anime et de manga cultes, mais la scène musicale est toujours sous-représentée. Je pense que la principale raison est la barrière de la langue. Si vous pouvez apprécier les images d’un dessin animé ou d’un jeu vidéo sans vraiment comprendre ce qui se dit, c’est un vrai problème avec une chanson. Je suis très intéressé par tout type de création japonaise futuriste.

Je suis fan des créateurs de Vocaloid / CeVIO comme Miku Hatsune et Z-Machines, le groupe de robots. Ils vont jusqu’au bout. Je suis tellement fan que j’ai même créé mon propre Vocaloid: Lil Brain.

J’aurai toujours une profonde curiosité pour ces projets 100% japonais. J’aime leur radicalité, mais je pense que ce qui plaira toujours au grand public, ce sont les artistes qui parviennent à digérer la culture japonaise pour la rendre accessible à un public international. C’est toujours bien de garder une partie que personne ne comprend vraiment, tu ne trouves pas?

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