Il y a d’innombrables raisons d’apprécier le médium de anime, qui repousse continuellement les limites en matière de narration, de personnages, d’animation et bien plus encore. Des centaines de nouvelles séries animées sortent chaque année et, certes, il peut être facile pour certains de se fondre dans la foule.
C’est pourquoi cela signifie beaucoup plus lorsqu’un réalisateur talentueux est capable de faire entendre sa voix dans le média et de raconter systématiquement des histoires qui ont un véritable impact. Il y a des noms très prolifiques qui ont travaillé dans l’industrie de l’anime, mais ce qui est particulièrement impressionnant, c’est quand le style visuel d’un réalisateur peut servir de carte de visite.
dix Masaaki Yuasa traite le monde et ses merveilles comme des lunettes visuelles fluides
Masaaki Yuasa est l’un des noms les plus ambitieux travaillant actuellement dans l’industrie de l’anime. Yuasa est responsable d’un certain nombre de films d’animation et de séries télévisées emblématiques, qui décomposent tous la nature humaine, l’intimité et la liberté de différentes manières. Lu sur le mur, Surfez sur votre vague, La nuit est courte, marche sur Girl,et Kaiba sont toutes de belles histoires sérieuses où le corps humain s’étire dans des proportions absurdes, les modèles de personnages changent à volonté et les palettes de couleurs fonctionnent avec une imprévisibilité stupéfiante. Chacune des œuvres de Yuasa est une véritable expérience visuelle.
9 Satoshi Kon est un maître du symbolisme surréaliste
Satoshi Kon est décédé tragiquement à l’âge de 46 ans, mais il était toujours capable de créer une collection phénoménale d’œuvres qui consolide encore son statut de maître du médium. De nombreuses œuvres de Kon explorent les thèmes de l’identité, de la paranoïa et du pouvoir des rêves, bien qu’avec des images extrêmement sombres. Bleu parfait, Paprika,et Agent de paranoïa restent des chefs-d’œuvre qui fonctionnent aussi bien qu’eux grâce à La représentation frappante de la perte et de la douleur de Kon. Ses autres œuvres comme Actrice du millénaire et Parrains de Tokyo,bien que moins surréalistes, sont toujours des présentations obsédantes de l’humanité.
8 Hayao Miyazaki crée des mondes magiques auxquels le public veut s’échapper
L’un des réalisateurs d’anime les plus populaires à recevoir une reconnaissance internationale est Hayao Miyazaki, l’un des partenaires fondateurs du prolifique studio d’animation Studio Ghibli. Miyazaki est responsable de films comme Enlevée comme par enchantement, Princesse Mononoke, et Ponyo, qui poussent des personnages féminins déterminés dans des situations fantastiques, mais avec des thèmes pertinents qui agissent comme des mises en garde sur l’état de la nature.
D’autres efforts, comme Le vent se lève, sont beaucoup plus ancrés et décontractés, mais manifestent une fascination pour l’aviation, qui traverse également l’œuvre de Miyazaki. Il y a tellement de vie et d’énergie dans ses créations.
7 Mamoru Hosoda montre une fascination pour les lignes floues entre fantasme et réalité
Mamoru Hosoda est un réalisateur d’anime visionnaire qui a accompli un travail incroyable. Son dernier film, Belle, est une magnifique méditation sur le moi public par rapport au privé, mais c’est quelqu’un qui a fait ses premières armes le premier Digimon film. Que ce soit Belle, Digimon : notre jeu de guerre !, Guerres d’été, ou Le garçon et sa bête, les œuvres de Hosoda montrent toutes une fascination pour la technologie, les royaumes numériques et la relation évolutive de l’humanité avec les royaumes artificiels. L’animation est détaillée, méticuleuse et surchargée de couleurs, mais le les personnages se sentent toujours humains.
6 Hideaki Anno crée un monde sombre et introspectif avec une esthétique brute
Le CV de Hideaki Anno a eu un effet profond sur l’industrie de l’anime. Anno est surtout connu pour son un travail minutieux sur le Néon Genesis Evangelion série, mais Sa situation et la sienne, Gunbuster,et Nadia : Le secret de l’eau bleue présentent toujours de nombreuses touches d’animation et thèmes récurrents de la marque Anno. Une grande partie du travail d’Anno est imprégnée d’une lumière oppressante et sombre où l’on peut avoir l’impression que l’animation se bat presque contre le public. C’est un effet graveleux qu’Anno sait faire fonctionner et transformer les problèmes budgétaires en triomphes stylistiques.
5 Akira vibrant et désolé de Katsuhiro Otomo a aidé à établir une nouvelle norme
Katsuhiro Otomo est quelqu’un dont on se souviendra à jamais dans l’industrie de l’anime pour son travail sur les deux celui d’Akira manga et réalisation du long métrage. Cela seul aurait laissé une empreinte suffisante sur l’industrie, mais le style austère et stérile d’Otomo a contribué à donner vie à de nombreux projets évocateurs, tels que Steamboy, Mushishi, Rojin Z, et le premier L’aventure bizarre de JoJo OAV.
Les lignes lourdes et les séquences d’action et de transformation chargées d’Otomo ont inspiré d’innombrables productions internationales. Sa capacité à créer des mondes en ruine et des protagonistes au physique exagéré est devenue emblématique.
4 Mamoru Oshii est devenu une voix de premier plan dans les dystopies sombres du cyberpunk
Mamoru Oshii est un autre nom essentiel dans l’industrie de l’anime qui a été acclamé comme l’une des voix les plus importantes en matière de genre cyberpunk en raison de son travail sur Fantôme dans la coquille. La carrière d’Oshii est vaste et il aborde de nombreux genres divers, y compris des plats plus légers comme Lupin III et Urusei Yatsura. Cependant, son style apparaît le plus dans les dystopies endurcies, comme Patlabor. Oshii est un maître du détail et de la construction du monde, et c’est pourquoi des séries comme Fantôme dans la coquille ont persévéré pendant si longtemps. Il mélange habilement l’homme et la machine.
3 Makoto Shinkai raconte des histoires déchirantes qui se perdent dans le réalisme
Makoto Shinkai continue d’être des gagnants absolus, et il s’est déjà taillé une réputation qui est sans doute aussi vénérée que Hayao Miyazaki. Les histoires de Shinkai peuvent traiter de concepts fantastiques et d’idées surnaturelles, un peu comme celles de Miyazaki, mais elles sont dépeintes sous un jour beaucoup plus ancré et réaliste, le réalisme des personnages et des environnements tirant fréquemment sur les cordes sensibles du public. Les films de Shinkai présentent régulièrement des personnages fragiles qui aspirent à des relations honnêtes et à échapper à leur humble environnement. votre nom, Altérer avec vous, Le jardin des mots, et 5 centimètres par seconde sont tous études de personnages élégantes mais déchirantes.
2 Shinichiro Watanabe est un maître du remix de styles et d’influences
Cowboy Bebop, Dandy de l’espace, Samouraï Champloo, et Carole & Mardi peuvent toutes sembler être des séries complètement différentes de genres contrastés, mais ce sont tous des mélanges chaotiques d’influences et de sensibilités qui sont devenus la carte de visite de Watanabe. Certaines de ses séries sont plus froides et calculées, comme Terreur en résonance, mais il y a toujours une approche atypique de la façon dont il insère des personnages de poissons hors de l’eau dans des scénarios alimentés par la science-fiction. Le style est toujours affiché, mais il ne domine jamais le personnages. Shinichiro Watanabe se sent presque comme un Edgar Wright ou Quentin Tarantino avec la façon dont il rend ses inspirations intrinsèques à la narration.
1 Osamu Tezuka crée des mondes invitants et établit d’adorables archétypes héroïques
Osamu Tezuka a eu un impact si crucial sur l’industrie de l’anime à ses débuts qu’il a même été surnommé le Walt Disney du Japon. Tezuka parvient à répondre à ces attentes, et tout son travail présente des personnages profondément invitants et ayant des expressions tout aussi amicales. Beaucoup de productions de Tezuka biaiser vers un public plus jeune ou sont appropriés pour un public de tous âges, comme Astro Boy et Kimba le lion blanc, mais même le tarif plus adulte de Tezuka comme Jack noir porte toujours le même aspect plus doux.
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