Ces dernières années, l’anime est devenu de plus en plus populaire et a attiré un public du monde entier. Constitué d’une collection de chefs-d’œuvre infiniment nuancée, cette forme d’art a acquis un attrait mondial en raison de ses contributions inestimables à l’histoire de l’animation. Une partie intégrante de l’anime est l’injection de musique qui élève l’animation et organise une expérience complètement immersive.
Véritable pionnière dans ce domaine, Yoko Kanno commenté sur la différence fondamentale entre l’anime et les productions américaines à gros budget, déclarant : « L’anime japonais n’est vraiment pas vaste et parlementaire comme les films hollywoodiens. Il y a un petit nombre de personnes avec un talent exceptionnel qui portent toute la pièce, et je pense que c’est ce qui rend l’anime japonais si génial.
Ajoutant : « Ces types de projets m’intéressent rarement. Ce n’est peut-être pas démocratique mais je préférerais de loin qu’on me demande de fournir de la musique à des fous qui montent des projets fous. uvres qui expriment carrément des tabous au sein de la psyché humaine, ou des œuvres qui expriment les pensées et les habitudes du producteur. Je pense que ceux-ci sont caractéristiques de l’anime japonais.
Afin de comprendre cette relation unique entre la musique et l’anime, nous examinons certaines des meilleures bandes sonores jamais utilisées dans l’histoire de la forme d’art.
10 meilleures bandes originales d’anime de tous les temps :
dix. L’attaque des Titans (2013)
L’attaque des Titans est probablement l’anime le plus populaire au monde en ce moment, et il y a une bonne raison à cela. C’est une histoire incroyablement engageante mettant en vedette des histoires alternatives et des fantasmes morbides, racontée à travers un récit bourré d’action impliquant les habitants d’une île isolée.
Pour un anime comme L’attaque des Titans, la bande-son joue un rôle important dans le maintien de la tension cinématographique lors de scènes cruciales où les révélations narratives et les visuels puissants nous submergent. C’est exactement ce que fait la composition de Hiroyuki Sawano, générant un sentiment terrifiant de malheur imminent pour les choses à venir.
9. Fou furieux (1997)
Fou furieux a récemment été replongé dans la conscience dominante après la disparition tragique de son créateur – le brillant Kentaro Miura. Situé dans un monde médiéval, l’anime suit l’ascension d’un mercenaire perdu qui trouve refuge sous la direction d’un leader étrangement séduisant.
Le monde de Fou furieux est vraiment déprimant, une qualité atmosphérique qui est amplifiée par la musique de Susumu Hirasawa qui devient le battement de cœur de l’anime. Les critiques ont comparé Berserk’s vision à des cinéastes japonais accomplis comme Akira Kurosawa et Masaki Kobayashi, mais Miura existe dans un domaine qui lui est propre.
8. Mushishi (2005)
L’un des plus grands chefs-d’œuvre de l’anime moderne, Mushishi est une exploration exceptionnellement tendre des mystères sans fin du monde que nous habitons. Il suit les aventures d’un homme appelé Ginko qui voyage d’un endroit à l’autre afin d’étudier des entités surnaturelles appelées Mushi.
La belle partition de Toshio Masuda est un élément essentiel de la magie de Mushishi. La musique vient par vagues de réflexions mélancoliques, nous incitant à nous débarrasser de nos préjugés et à apprendre à sympathiser avec la plus petite des créatures qui coexistent avec nous.
7. Hunter X Hunter (2011)
Une autre entrée extrêmement populaire sur cette liste, l’édition 2011 de Hunter X Hunter est un reboot de l’adaptation animée du manga de Yoshihiro Togashi. L’anime tourne autour d’un jeune garçon qui découvre que son père décédé est en réalité vivant et qu’il est membre d’un groupe d’élite appelé Hunters.
La composition de Yoshihisa Hirano convient parfaitement à Chasseur x Chasseur énergie unique, contribuant à la conservation d’une expérience fantastique parfaite. Un élément essentiel de tout régime d’anime, Hunter X Hunter occupe une place particulière dans la mémoire de ceux qui se sont perdus dans son monde tentaculaire.
6. Samouraï Champloo (2004)
Samouraï Champloo est un véritable chef-d’œuvre de l’un des plus grands réalisateurs d’anime de tous les temps – Shinichirō Watanabe. Une recréation postmoderne du Japon à l’époque d’Edo, Samouraï Champloo est une chronique étonnamment poignante de la pertinence décroissante des samouraïs.
Watanabe est connu pour sa brillante utilisation de la musique dans ses œuvres et Samouraï Champloo ne fait pas exception. L’infusion de morceaux hip-hop dans une reconstruction du Japon pré-moderne est un choix artistique fantastique, surtout lorsqu’il présente les œuvres d’artistes comme Nujabes.
5. Ping Pong l’Animation (2014)
Ces dernières années, Masaaki Yuasa s’est forgé la réputation d’être l’un des réalisateurs les plus prometteurs du Japon, qui a élevé l’anime au rang d’avant-garde. Ping Pong l’Animation est la preuve de l’esprit d’innovation de Yuasa, menant une exploration fascinante de la faillibilité du talent et de l’ambition humaine à travers des visuels fluides.
Le compositeur Kensuke Ushio a travaillé sur des projets célèbres comme Dandy de l’espace mais Ping pong reste sa plus belle réalisation. Yuasa aime toujours jouer avec les conventions acceptées et la synchronisation de la musique électronique avec des animations en constante évolution donne au public l’impression d’être piégé dans un rêve triste mais beau.
4. Fantôme dans la coquille (1995)
Véritable classique culte, le chef-d’œuvre néo-noir de Mamoru Oshii de 1995 est une enquête saisissante sur la modernité. Suite à l’histoire d’un cyborg qui se lance dans une quête pour trouver un hacker appelé The Puppet Master, Fantôme dans la coquille se classe au premier rang avec d’autres réflexions cinématographiques influentes sur la question de l’identité individuelle comme celle d’Ingmar Bergman Personnage et celui d’Hiroshi Teshigahara Le visage d’un autre.
La composition de Kenji Kawai fait partie intégrante de l’atmosphère cyber-punk de Fantôme dans la coquille. « Making of a Cyborg » reste l’une des chansons d’ouverture les plus emblématiques de l’histoire de l’anime, une interprétation magistrale où Kawai combinait des notes japonaises classiques avec des harmonies bulgares pour créer un effet envoûtant.
3. FLCL (2000)
Même après toutes ces années, FLCL est toujours considéré par beaucoup comme une étape incroyablement importante dans l’évolution de l’anime, même si presque tout le monde convient qu’il est vraiment indéchiffrable. Il raconte l’histoire d’un garçon de 12 ans dont la vie change complètement lorsqu’une mystérieuse femme se présente.
Une raison majeure derrière FLCL l’attrait durable est son énergie chaotique qui est dangereusement contagieuse. Cette énergie est soutenue par la chanson du populaire groupe de rock alternatif japonais The Pillows, résultant en une expérience voyeuriste où chaque instant menace d’exploser avec une force volatile.
2. Néon Genesis Evangelion (1995)
Probablement l’une des plus grandes œuvres jamais réalisées non seulement dans l’histoire de l’anime mais dans l’ensemble des films d’animation, Néon Genesis Evangelion est une incursion trompeusement complexe dans des thèmes chargés comme la philosophie, la religion et le post-humanisme. C’est un chef-d’œuvre existentiel qui parvient à nous faire taire efficacement avec ses grandes visions de la vie et de la mort.
Il ne fait aucun doute que la bande originale de Shirō Sagisu est en fait magique, nous transportant dans un cauchemar apocalyptique où nous ne pouvons plus faire la différence entre les anges et les démons. Le thème d’ouverture, intitulé « La thèse d’un ange cruel », donne au public un aperçu de la sensibilité tragique de l’anime dès le début.
1. Cowboy Bebop (1998)
Le magnum opus intemporel de Shinichirō Watanabe, Cowboy Bebop changé l’anime pour toujours. Structuré comme un recueil de mésaventures qui progressent lentement vers un vide nihiliste, Cowboy Bebop s’inspire de l’esthétique du film noir pour raconter l’histoire d’un chasseur de primes désabusé. Les morceaux de jazz inoubliables de Yoko Kanno nous font comprendre ce que cela doit être de se perdre dans le vide obscur de l’espace.
Yoko Kanno a déclaré : « Les graines de cette partition ont été semées au collège et au lycée quand j’étais membre de la fanfare. Je ne sais pas comment c’est aujourd’hui, mais à l’époque, toutes les chansons qu’on enseignait aux enfants n’étaient pas du tout cool, alors j’ai fait et joué des originaux. Mais une partie de moi était toujours frustrée parce que je ne comprenais pas pourquoi tout le monde se contentait de jouer de la musique pas cool. Je voulais jouer de la musique pour cuivres qui ébranle votre âme, vous fait bouillir le sang et vous le fait perdre.
